Wednesday, June 30, 2010

Estreno: Pequeños Crímenes Conyugales.



PEQUEÑOS CRÍMENES CONYUGALES

Estreno el 2 de Julio de 2010 a las 8.30 pm

ArtSpoken Performing Arts Center
529 SW 12 th, Miami, 33130
Reserve sus entradas al 305 609 4620

Del 2 de julio al 1 ero de Agosto

Franklin A. Blanco presenta el estreno absoluto en Estados Unidos de:

PEQUEÑOS CRÍMENES CONYUGALES

de Eric-Emmanuel Schmitt (Premio Goncourt 2010)

IVETTE VIÑAS / GUALBERTO GONZÁLEZ

Dirigida por Yoshvani Medina

Gilles se ha quedado amnésico después de su accidente y anda en busca de los pedazos de su pasado. Desconfiado, Gilles duda de lo que le cuenta su supuesta esposa…

COMENTARIO EN EL NUEVO HERALD. ARTURO ARIAS POLO. (ENLACE.)


Para más información llame al 305 609 4620
ArtSpoken Performing Center 529 SW 12 th, Miami, 33130

Tuesday, June 29, 2010

Teatro en proceso: Julio Matas y Alejandro Galindo.

El cambio. Vivian Morales y Yesler de la Cruz en Havanafama. Foto: Belkis Proenza.

Fuente: ArtedFactus.


TEATRO EN PROCESO: La vida en un acto.

JULIO MATAS: actor por vocación, escritor por inspiración


Por Olga Connor

El Nuevo Herald


Típicamente, su madre no quería que fuera actor. Su hijo tendría que ser abogado. Pero típicamente también, el hijo complació a la madre, estudió Leyes, y luego se dedicó a actuar. Gracias a eso conoció muy tempranamente a Virgilio Piñera, el gran dramaturgo cubano, a través de Mercedes González, profesora del Instituto de la Víbora que muchos disfrutamos en aquella institución como directora del grupo de teatro. Lo demás fue quedándole de maravilla a Julio Matas, quien se reconoce como uno de los dramaturgos cubanos más importantes de estas últimas décadas.

Matías Montes Huidobro lo ha clasificado como “de la vanguardia intelectual de fines de los cincuenta”, que procedía “del teatro del absurdo y de la crueldad”, junto con Antón Arrufat, quien permaneció en Cuba. Ha escrito además poesía, cuentos, novela y ensayo, e incontables artículos académicos como catedrático de la Universidad de Pittsburgh, donde ejerció por 25 años.

“Desde niño yo tenía siempre una fijación con el teatro, representar las cosas”, cuenta Matas en su apartamento de Miami Beach. “Formé un pequeño grupo con los niños del barrio de la Víbora donde vivía; hacíamos los sainetes de los hermanos Quintero, pero aquello no trascendía. Cuando iba a ingresar en la Universidad [de La Habana] decidí matricularme también en el seminario de artes dramáticas que dirigía [Luis] Baralt, y me fui entrenando en todos los aspectos del teatro en aquel período [del año 48 al 52], de luminotécnico, asistente de dirección y por último actor, porque quería probarlo todo; era una vocación a la cual le di toda su rienda en aquel momento”.

Matas no llegó a estudiar literatura en Cuba porque su obligación filial era el Derecho. “Estudié Derecho, porque mi madre se empeñó; mi padre había sido juez, y ella lo adoraba aún después de su fallecimiento, cuando yo tenía seis años. En mi casa estaban todos los comentarios de [José María] Manresa del Código Civil. Mi madre los tenía guardados para cuando yo fuera abogado. Yo era hijo único”. En el Instituto había hecho ya varias obras con González, incluso La Numancia, de Miguel de Cervantes. Desde la Universidad seguía colaborando con ella. Y luego repitió la experiencia con sus alumnos en Pittsburgh, “cuando dictaba cursos de teatro, hacíamos representaciones, como La verdad sospechosa de Ruiz de Alarcón, y los alumnos participaron con un entusiasmo enorme”.

“En Cuba, la primera obra que escribí fue La crónica y el suceso, en cierto modo la lectura aquí en Teatro en Miami Studio hará un año, fue el estreno, porque en Cuba, como no tenía problemas políticos, no interesó”. Era el año 1964, tenía 33 años, y estaba a punto de salir de la isla. Antes se habían publicado poemarios suyos, Homenaje (1958) y Retrato de tiempo (1959), mientras aún estaba en Harvard, donde le habían dado una beca como asistente para estudiar la Maestría en el año 1957.

En la década de los 1950, Matas se encontraba con sus amigos en Nuestro Tiempo, una sociedad cultural, donde exhibían Wifredo Lam, Fidelio Ponce, Agustín Fernández y muchos más, y celebraban conferencias y películas, aunque no se proclamaba el secreto de que estaba inspirada por los comunistas hasta después del año 59. En 1954 dirigió Medea, de Eurípides, y en 1956 La soprano calva, de Ionesco. “Yo me lanzaba, tenía 23 años”, se asombra. Entonces Virgilio Piñera regresó de la Argentina donde había estado unos años y reanudaron la amistad, al tiempo que se fundaba la revista Ciclón, que financiaba José Rodríguez Feo.

“Surgió por una diferencia de opinión entre [José] Lezama y Rodríguez Feo, era una especie de bofetón a Orígenes. Participé en cierto modo, porque Ciclón se hacia en casa de Virgilio, y aunque no publicaba nada ahí, colaboré con ellos”, cuenta.

Trabajó por esos años previos al ICAIC con Tomás Gutiérrez Alea, Ramón Suárez y Néstor Almendros en cortos fílmicos. “Hicimos una versión de un cuento de Kafka que se llamaba Una confusión cotidiana”, recuerda. “Eran dos individuos que habían concertado una cita de negocios y nunca se producía el encuentro. Otra cosa que hice fue un monólogo de Hamlet, que me iba leyendo Natividad González Freyre, y yo lo trasmitía, sin hablar, con la mirada, pero todo el mundo pensaba que era muy aburrido”.

Recuerda también las obras que se representaban en la Plaza Cadenas de la Universidad, donde no había techo, y Ramón Valenzuela, que organizaba las funciones, sabía la fecha exacta a principios de agosto en que no habría lluvias. Se podían ver las obras clásicas entre la columnata, como la Medea con Violeta Casals, y se hizo también Agamenón. ¿Fue eso lo que les influyó a todos ellos a escribir versiones modernas del teatro y los mitos griegos? ¿Por ejemplo, su obra El extravío (1987-88), la única puesta en Miami por el teatro Avante en 1992, que se basa en el mito del Minotauro? “No, fue una coincidencia. Virgilio escribió Electra Garrigó mucho antes de las obras clásicas de Baralt. Era la época, estuvo de moda traer las obras clásicas al presente, Camus hizo el personaje de Calígula, y Sartre, en Las moscas, resucitó a Orestes”. En El extravío, explica, quiso utilizar los paradigmas del mundo antiguo, aunque no hay ninguna obra escrita sobre Teseo y Ariadna, pero el mito de Creta le pareció extraordinario.

Uno de los puntos culminantes en la vida de Matas fue el haber sido escogido en 1963 para desempeñar el papel de Oscar de Aire frío, el alter ego de Piñera, que fue filmada en video. “La idea que teníamos todos cuando se estaba ensayando la obra era que la gente se iba a ir, porque era demasiado larga, y aquello fue un éxito tan grande que estábamos asombrados; el público reía y lloraba. Me sentí realizado”. Pero fue imposible seguir resistiendo. Cuando regresó de Estados Unidos a principios de la Revolución le habían dado un puesto de director en el Teatro Nacional y se le ocurrió presentar una obra de Thornton Wilder llamada Our Town (Nuestro pueblo), la gente protestó porque era una obra norteamericana. La directora del Teatro Nacional, Isabel Monal, había sido escogida por méritos revolucionarios y no lo respaldó. Pero recuerda que otros la pasaron peor. “Virgilio tuvo que sufrir más de lo que conocemos aquí, porque como castigo hasta lo colocaron de portero en algún lugar".

Al salir por España les escribió a sus antiguos profesores de Harvard, Raimundo Lida y Stephen Gilman, una carta muy alarmante, “que estaba caminando por la cuerda floja”, y lo recomendaron inmediatamente a una cátedra en la Universidad de Pittsburgh, desde donde escribió a través de los años una serie de obras dramáticas que se reúnen mayormente en El rapto de La Habana (2002) y, finalmente una novela, aquí en Miami, Entre dos luces (2003), que confiesa será la única, porque es demasiado laborioso. Para él los géneros literarios, sobre los que ha escrito el libro de ensayos La cuestión del género literario (1979), dependen de lo que se quiera decir, porque “la literatura es un medio de comunicación de lo esencial, que funciona en distintos niveles: como un acto emocional emotivo, como un acto intelectual y al mismo tiempo como obra de arte”.

Conferencia sobre la Viagra
y La soga pa
mi pescuezo de Alejandro Galindo.

La Compañía Teatral Havanafama continúa con su programa Teatro en proceso: La vida en un acto, este viernes 2 y sábado 3 de julio, con dos divertidas comedias, escritas y dirigidas por Alejandro Galindo.

Teatro en proceso es una atractiva propuesta de lectura dramatizada que plantea sobre el escenario diversos discursos dramatúrgicos, acompañados de elementos escenográficos, de vestuario, maquillaje e iluminación, y donde el actor, aún con el texto entre sus manos, asume el reto de interpretar su rol, poniendo toda su técnica al servicio de la escena.

El programa incluye dos obras en un acto: Conferencia sobre la Viagra y La soga pa mi pescuezo, piezas que contarán con las actuaciones de América García, Orquídea Gil, Ubaldo Enríquez y Yesler de la Cruz, bajo la dirección artística de Alejandro Galindo, la promoción de Belkis Proenza y la dirección general de Juan Roca.

Conferencia… es un texto humorístico para una actriz, en el que una sexóloga intenta explicar el origen de la palabra Viagra, a través de un recurso de composición acróstica. En La soga…, Galindo recupera el espíritu de la comedia costumbrista cubana y ubica la trama en una casa habanera, hacia finales de los años cincuenta. La historia recrea la relación de pareja entre un típico cubano mujeriego y una controladora mujer que ejerce el espiritismo. Sin embargo, no serán los espíritus precisamente los que enreden los hechos y desaten la furia de las mujeres.

Alejandro Galindo es un artista versátil, de larga trayectoria en las artes escénicas, televisivas y cinematográficas. La pintura, el teatro y la literatura cautivan a Galindo desde muy temprana edad. En su obra literaria destacan piezas narrativas y teatrales, con las cuales ha obtenido diplomas y menciones de honor, tanto en España como en Estados Unidos. De su teatro costumbrista, apunta este creador: “…cuando esas costumbres pertenecen al pasado, evocamos lo que se fue, lo que nunca más volverá. El escritor, que retrocede en el tiempo, necesita detallar al máximo el amor, el dolor, la alegría, la tristeza y la nostalgia de lo que ya no existe”.

Teatro en proceso: La vida en un acto se estará presentando durante los meses de junio y julio, todos los viernes y sábados a las 8:30 pm., en Havanafama Teatro Estudio, sito en 752 SW 10TH Ave Miami, FL 33130.

Admisión general: $8.00 dólares.

Para mayor información y reservaciones 786-319-1716.

Thursday, June 24, 2010

Oda a la tortura en TEMS.


Estreno Mundial - 9 de Julio.
Viernes y Sábado 8.30 PM

Oda a la Tortura
escrita y dirigida por Ernesto García.
Con las actuaciones de
Jorge Hernández, Sandra García, Leandro Peraza y Alain Casalla.

Sinopsis:
En la ciudad han ocurrido dos atentados y han capturado a tres sospechosos; tres posibles implicados en las explosiones. Una en la plaza del mercado y otra en la estación de trenes. En los interrogatorios uno de ellos confesó que habría otra explosión esta noche pero no logran saber el lugar. Para eso han mandado a buscar a Don Ramiro, un militar e interrogador de la policía con mucha experiencia, quien tiene que aplazar un día más su retiro, para encargarse de este caso a solicitud personal del Ministro del Interior. Apenas tiene una hora. Don Ramiro es el hombre más temido en su profesión.

Créditos: ODA A LA TORTURA

DON RAMIRO: Jorge Hernández.
LAURA: Sandra García.
PABLO: Leandro Peraza.
GUARDIA: Alain Casalla.

Obra de Ernesto García.
Dirección: Ernesto García.
Música Original: Ernesto García.
Diseño de Luces: Ernesto García.
Diseño de Escenografía: Ernesto García.
Diseño de Vestuario: Sandra García y Ernesto García.
Video y Multimedias: Ernesto García.

**********

Teatro en Miami Studio
2500 SW 8 ST, Miami

305.551.7473
www.TeatroenMiami.org

PEQUEÑOS CRÍMENES CONYUGALES


El poster de la obra ha sido concebido y realizado por Raul Diaz-Pereda.


Franklin A. Blanco presenta el estreno absoluto en Estados Unidos de:

PEQUEÑOS CRÍMENES CONYUGALES

de Eric-Emmanuel Schmitt (Premio Goncourt 2010)

IVETTE VIÑAS / GUALBERTO GONZÁLEZ

Dirigida por Yoshvani Medina

Reserve sus entradas al 305 609 4620

Del 2 de julio al 1 ero de Agosto

ArtSpoken Performing Center 529 SW 12 th, Miami, 33130

Gilles se ha quedado amnésico después de su accidente y anda en busca de los pedazos de su pasado. Desconfiado, Gilles duda de lo que le cuenta su supuesta esposa…

Ivette Viñas protagonizó dos comedias dramáticas “Tu ternura Molotov”, de Gustavo Ott, y “Triángulos obtusos”, de Julie de Grandy, que se quedaron en cartelera más de veinte semanas la temporada pasada. Su monólogo “Por fin”, dirigido por Gonzalo Madurga, fue seleccionado para clausurar el IX Festival Latinoamericano del Monólogo de Miami. Su más reciente actuación fue en el largometraje “Neuralgia” del director cubano Magdiel Aspillaga.

Gualberto González estuvo de gira en 2009 por una veintena de ciudades norteamericanas interpretando dos roles de leyenda: Sancho Panza en “Don Quijote”, de Cervantes y el Cardenal Richelieu en “Los tres mosqueteros”, de Dumas, producidos por la compañía norteamericana Hispanic Flamenco Ballet. Ese mismo año su interpretación del personaje protagónico de “El Acompañamiento” de Carlos Gorostiza, le valió los honores del público y la prensa especializada.

Eric-Emmanuel Schmitt es uno de los autores franceses más leídos, traducidos y escenificados en el mundo, sus obras se programan en los grandes teatros de Europa, interpretadas por las estrellas más talentosas.

El binomio Franklin A. Blanco-Yoshvani Medina se dio a conocer esta temporada en Miami con el controversial espectáculo “Probation”, que desató las más apasionadas polémicas.

Blanco, abogado de profesión, es una de las personalidades del sur de la Florida que más ha ayudado, legal, moral y financieramente, la creación teatral contemporánea en español en esta temporada.


305 609 4620
adcopyuno@comcast.net
www.adcopyuno.com

La visita de la vieja dama
: Teatro Buendía.


FUNDarte presenta:
Teatro Buendía
La visita de la vieja dama

Versión: Raquel Carrió sobre la obra de Friedrich Durrenmatt
Dirección: Flora Lauten
23 de Julio de 2010

Manuel Artime Theater 

900 S.W. 1st Street
Miami, FL 33130
 (305)575-5057
info@fundarte.us - 305.316.6165


Elenco:

CLARA ZAJANIN: Ivanesa Cabrera

ELIAS ILL, EL ALCALDE: Alejandro Alfonzo

MATILDE, ESPOSA DE ELIAS: Indira Valdés.

EL MAESTRO: Sándor Menéndez.

EL JEFE DE ESTACION: Carlos Cruz

EL CARNICERO: Leandro Sen

VIEJO DEL PUEBLO: Dania Aguerreberrez.

MIMI: Indira Valdés.

BOBBY: Leandro Sen.

MUSICOS:
PIANO: Jomary Hechavarría

SAXO/ FLAUTA: Vidal Ricardo Labarca

GUITARRA: Dania Aguerreberrez

Equipo de realización:
DIRECCION: Flora Lauten
INVESTIGACION, ASESORIA Y DRAMATURGIA: Raquel Carrió
TEXTOS DE LA VERSION: Raquel Carrió y Flora Lauten

DISEÑOS DE VESTUARIO Y ESCENOGRAFIA : José Miura – Mayra Rodríguez –Jorge Noa – Pedro Balmaceda
SELECCIÓN MUSICAL: Flora Lauten

COMPOSICION MUSICAL: Jomary Hechavarría –Vidal Ricardo Labarca – Marieta Vaulens

ASISTENTE DE DIRECCION. Claudia Broker – Eulalia Sánchez

JEFE ESCENA: Lourdes Navarro

DISEÑO DE LUCES: Nicolás Navas.

DISEÑO GRAFICO: Héctor Fernández

SONIDO: Rommy Sánchez.

COREOGRAFIA: Luz María Collazo.

ACROBACIA: Félix Padrón.

MAQUILLAJE: – Adela Prado

ADMINISTRACION: Eulalia Sánchez

PRODUCCION: Julio Mainegra

VESTUARISTA: Lourdes Navarro

DIVULGACION: Liliam Riuz

EQUIPO DE ATREZZO: Mayra Rodríguez,
Julio Chavarri, Jorge Hernández, Maykel Fariñas, Francisco Espinosa

DIRECCION GENERAL TEATRO BUENDIA. Flora Lauten


Las amargas lágrimas de Petra Von Kant


FUNDARTE
(Para más información de la presentación en Miami
EL 8 y 9 de Julio de El PÚBLICO haga click en el enlace)

Out in the Tropics GLBT Performing Arts Festival
Award-winning GLBT cutting-edge artists
from around the world!...
Colony Theatre in Miami Beach.
Gay, Lesbian, Bisexual and transgender.
Contemporary Performing Art Festival

Las amargas lágrimas de Petra von Kant (enlace para más información de la puesta) de Rainer Werner Fassbinder

versión de Norge Espinosa

TEATRO EL PÚBLICO
dirección artística y general: Carlos Díaz

-ELENCO-
(por orden de aparición)

MARLEN, factótum de Petra von Kant
Yanier Palmero

PETRA VON KANT
Fernando Hechevarría

SIDONIE VON GRASENABB, su amiga
Ismercy Salomón

KARIN THIMM, su amor
Lester Martínez o Freddy Maragoto*

GABRIELA VON KANT, su hija
Alicia Hechevarría

GABRIELA VON KANT, su madre
Mónica Guffanti

PIERRE, en el recuerdo
Dayron Díaz
*Actor invitado del Teatro de las Estaciones

diseño de iluminación: Carlos Repilado
diseño de vestuario: Vladimir Cuenca
diseño de escenografía: Roberto Ramos
banda sonora con canciones de Martha Strada y Mina
asesoría teatral: Norge Espinosa
asistente de dirección: Osvaldo Hernández
administración: Marcos Dieppa
banda sonora con canciones de Martha Strada y Mina
asesoría teatral: Norge Espinosa
asistente de dirección: Osvaldo Hernández
administración: Marcos Dieppa

Tickets by phone at (800) 745-3000 and the Colony Theatre Box Office (no service charges there), 1040 Lincoln Road, Miami Beach, Tues - Sat, Noon – 5:00 pm. Become a fan of Out in the Tropics .

Wednesday, June 23, 2010

ArtSpoken convoca.

Foto de la inauguración del nuevo espacio teatral de Miami ArtSpoken.

ArtSpoken convoca a los escritores y amantes de la literatura al Poet’s Brunch.

El “desalmuerzo” tendrá lugar cada domingo, a las doce del día, en el 529 SW 12th Ave, 33130.

Habrá lecturas, presentaciones de libros, mano a mano entre escritores, humor, entrevistas, debates.

Se podrá “desalmorzar” platos sanos y bebidas saludables.

La primera edición del Poet’s Brunch se celebrará este domingo 27 de junio.

Entrada general $10.

305 609 4620

Julio Matas en teatro en proceso.


Foto: Ángela García. Julio Matas.

Teatro en proceso: dos piezas de Julio Matas.

por Eddy Díaz Souza

TEATRO EN PROCESO: LA VIDA EN UN ACTO

La Compañía Teatral Havanafama continúa este viernes 25 y sábado 26 de junio con su programa Teatro en proceso: La vida en un acto. En esta oportunidad, con piezas clave del dramaturgo cubano Julio Matas.

Teatro en proceso es una atractiva propuesta de lectura dramatizada que plantea sobre el escenario diversos discursos dramatúrgicos, acompañados de elementos escenográficos, de vestuario, maquillaje e iluminación, y donde el actor, aún con el texto entre sus manos, asume el reto de interpretar su rol, poniendo toda su técnica al servicio de la escena.

El programa incluye dos obras en un acto: Juego de damas y El cambio, con las actuaciones de Laura Zarrabeitia, Mercedes V. Ruiz, Vivian Morales y Yesler de la Cruz, la asistencia de producción de Alejandro Galindo, promoción de Belkis Proenza y Mercy V. Abad, puesta en escena a cargo de Eddy D. Souza y la dirección general de Juan Roca.

En estas piezas, verdaderas joyas dramáticas, logra Julio Matas dibujar un perfil atractivo de la mujer del siglo pasado que, sin embargo, proyecta sus raíces e imágenes en estos días que corren. Ellas, siguen aferradas al amor de un hombre; esperan, como Penélope, por ese amor o eligen finalmente por la venganza. En este universo femenino fluye la tristeza, la soledad, el abandono, la traición y la muerte. Todo se mira desde un ángulo agudo, crítico, humorístico e irónico.

Cabe recordar que Julio Matas es un destacado dramaturgo cubano, poeta, cuentista, crítico y profesor. Estudió en el Seminario de Arte Dramático de la Universidad de La Habana, entre 1948 y 1952. En 1965 salió de Cuba para establecerse luego en Estados Unidos. En la Universidad Pittsburgh inició su labor docente, hasta llegar a ser profesor del Departamento de Lengua y Literaturas Hispánicas. En 1970 se graduó de doctor en la Universidad de Harvard.

Teatro en proceso: La vida en un acto se estará presentando durante los meses de junio y julio, todos los viernes y sábados a las 8:30 pm., en Havanafama Teatro Estudio, sito en 752 SW 10TH Ave Miami, FL 33130. Admisión general: $8.00 dólares.

Para mayor información y reservaciones 786-319-1716.

Nuevoteatro66. El Ángel de la culpa.

En la foto: Miguel Ponce. Director de Nuevoteatro66.

Una apocalíptica FABULA urbana

Junio 22, 201
Por Antonio O. Rodríguez
El Nuevo Herald

Buenas interpretaciones y un montaje sencillo pero eficaz hacen que El ágel de la culpa por Nuevoteatro66 sea un acierto “El público es una especie de detective colectivo que quiere descifrar un misterio. Todas las piezas teatrales son misterios. ¿Qué pasó aquí? ¿Qué va a pasar aquí? No lo expliques. Que lo descubran”, apunta el teatrista y psiquiatra chileno Marco Antonio de la Parra en Cartas a un joven dramaturgo. Su obra El ángel de la culpa (1996), que Nuevoteatro66 presentó el pasado fin de semana en su sede de la Calle Ocho y la tercera avenida del South West, podría ser una buena sustentación de esa premisa.

En la escena de un crimen, un detective interroga al joven sospechoso de haberlo cometido. El policía revela, desde el inicio, su malhumor: aunque no está de turno, se ha visto obligado a abandonar su madriguera a altas horas de la noche, interrumpiendo un video porno y una sesión de masturbación, para hacerse cargo del caso. En la ciudad –se queja– se producen demasiados delitos: “Necesitarían un ejército de ángeles con espadas de fuego para poner todo en su lugar”. Él es uno de esos ángeles vengadores encargados de velar por el cumplimiento de la ley. Un ángel caído que no tarda en hacer patente su resentimiento social y su naturaleza corrupta y homofóbica.

A su manera, el investigador realiza una plausible reconstrucción de los hechos y de las motivaciones del asesino. El joven escucha su diatriba sin decir palabra, lo cual no significa exactamente que permanezca en silencio: las diferentes formas en que reacciona a las suposiciones y confesiones del detective constituyen parlamentos mudos, pero cargados de significación; quizás tan reveladores como la frase con que romperá su mutismo.

Esta apocalíptica y desesperanzadora fábula urbana de Marco Antonio de la Parra es materializada por Miguel Ponce con una austeridad casi franciscana: ausencia de banda sonora, escasas luces (que permanecen fijas durante buena parte de la representación) y, en el espacio escénico desnudo, dos sillas, las marcas de una cuadrícula y el contorno de un cuerpo humano dibujado sobre el piso. El montaje apuesta por un ritmo incisivo, inquietante, que se apoya en los nerviosos desplazamientos del policía, y sorprende al extender la representación –por decirlo de algún modo– “tras bastidores”.

La función del viernes 18 de junio fue un tour de force que los actores afrontaron con profesionalismo. La interpretación de Miguel Ponce del “ángel negro que viene a limpiar los desechos de los bajos instintos” fluyó de principio a fin, sin tropiezos ni vacilaciones. Se trata de un actor seguro, que está de vuelta de (casi) todo; dueño de un apreciable arsenal técnico que le permite recorrer el texto con malicia y sacarle el jugo a cada frase, encadenar con limpieza transiciones enérgicas o sutiles, y sostener una caracterización gestual que da cabida a dosificados tics (como los dedos en la nariz, que hacen sospechar su afición por la cocaína). Por su parte, George Riverón funcionó como una correcta “caja de resonancia” que consiguió responder a cada estímulo. Su acercamiento al asesino hizo énfasis en la fragilidad y la indefensión del personaje, subrayando su condición de adolescente, y acertó al prescindir de cualquier elemento que pudiera sugerir explícitamente atractivo físico o sensualidad erótica.

“Yo no sé si existe Dios, pero el diablo sí que existe”, asegura el protagonista de este relato noir con resonancias bíblicas; un thriller sin fastidiosas moralejas, a no ser que quiera verse como tal la pragmática conclusión a la que llega el policía: “Hay cosas que no se hacen. Y si se hacen, no se dicen”. Verbalmente frondosa y minimalista en su puesta en escena, El ángel de la culpa invita a reflexionar sobre la alarmante tendencia de los medios de difusión masiva a la “espectacularización” del crimen y también sobre la paradoja de sociedades que con una mano propician el delito y con la otra pretenden erradicarlo.

La consistencia del texto elegido, las buenas interpretaciones y el sencillo pero eficaz montaje convierten este espectáculo en un acierto de Nuevoteatro66.

Rosario Suárez (Charín) 2010. OUIJA FILMS.





OUIJA FILMS muestra su último trabajo promocional para Rosario Suárez (charín) en un espectáculo de NOBARTE.

Wednesday, June 16, 2010

Oda a la tortura de Ernesto García.


Teatro en Miami Studio presenta de Ernesto García, Oda a la tortura, con las actuaciones de Jorge Hernández, Sandra García, Leandro Peraza y Alain Casalla.

Sinopsis:

En la ciudad han ocurrido dos atentados y han capturado a tres sospechosos; tres posibles implicados en las explosiones. Una en la plaza del mercado y otra en la estación de trenes. En los interrogatorios uno de ellos confiesa que habrá otra explosión esa noche, pero no logran saber el lugar. Para eso han mandado a buscar a Don Ramiro, un militar e interrogador de la policía con mucha experiencia, quien tiene que aplazar un día más su retiro para encargarse de este caso, a solicitud personal del Ministro del Interior.

Apenas tiene una hora. Don Ramiro es el hombre más temido en su profesión.

Obra: Oda a la tortura
Autor: Ernesto García.
Dirección: Ernesto García.
Música original: Ernesto García.
Diseño de luces: Ernesto García.
Diseño de escenografía: Ernesto García.
Diseño de vestuario: Sandra García y Ernesto García.
Vídeo y multimedias: Ernesto García.

Estreno: 9 de julio de 2010
Sala: Teatro en Miami Studio
2500 SW 8 ST, Miami
Teléfono: 305 – 551.7473

Tuesday, June 15, 2010

Teatro en Proceso: La vida en un acto.


La Compañía Teatral Havanafama se complace en presentar su nuevo programa Teatro en proceso: La vida en un acto. Esta es una atractiva propuesta de teatro dramatizado, que plantea sobre el escenario diversos discursos dramatúrgicos, acompañados de elementos escenográficos, de vestuario, maquillaje e iluminación, y donde el actor, aún con el texto entre sus manos, asume el reto de interpretar su rol, poniendo toda su técnica al servicio de la escena.

El programa, que en esta oportunidad tiene la peculiaridad de presentar obras en un acto, se inicia este viernes 18 de junio con dos textos cortos: Recordando a mamá y Soldados somos y a la guerra vamos, ambos de Pedro Monge Rafuls, reconocido dramaturgo cubano y promotor cultural, fundador y actual presidente de OLLANTAY Center for the Arts (Nueva York, 1977) y OLLANTAY Theater Magazine (1993). El equipo artístico está conformado por Laura Zarrabeitia, Yesler de la Cruz y Freddy Acuña, bajo la dirección de Eddy D. Souza.

Para el viernes 25 y sábado 26 de junio, subirán a escena dos deliciosas piezas: Juego de damas y El cambio de Julio Matas, con las actuaciones de Laura Zarrabeitia, Mercedes V. Ruiz, Vivian Morales y Yesler de la Cruz, en una propuesta escénica a cargo de Eddy D. Souza.

Julio Matas, destacado dramaturgo cubano, poeta, cuentista, crítico y profesor estudió en el Seminario de Arte Dramático de la Universidad de La Habana, entre 1948 y 1952. En 1965 salió de Cuba para establecerse luego en Estados Unidos. En la Universidad Pittsburgh inició su labor docente, hasta llegar a ser profesor del Departamento de Lengua y Literaturas Hispánicas. En 1970 se graduó de doctor en la Universidad de Harvard.

Teatro en proceso: La vida en un acto se estará presentando durante los meses de junio y julio, todos los viernes y sábados a las 8:30 pm., en Havanafama Teatro Estudio, sito en 752 SW 10TH Ave Miami, FL 33130. Admisión general: $8.00 dólares. Para mayor información y reservaciones 786-319-1716.

La noche de Eva. Nota Antonio O Rodríguez.



Foto: Ángela García. Miriam Bermúdez e Yvonne López Arenal.

Punto de vista La noche de Eva: entre la frivolidad y el existencialismo


By ANTONIO O. RODRIGUEZ
Especial/El Nuevo herald

Quienes visitaron semanas atrás la muestra Carlos Enríquez: The Painter of Cuban Ballads en la galería Cernuda, probablemente hayan quedado seducidos por los retratos que el artista cubano hizo en los años 1940 a su esposa y musa Eva Fréjaville. Cuánto hubo de idealización en la forma en que Enríquez plasmó a la joven francesa es algo difícil de saber, pero lo cierto es que los cuadros la presentan como un epítome de la belleza y la sensualidad femeninas. Atraída por la leyenda de esa mujer, la actriz, dramaturga y directora Yvonne López Arenal la recrea como personaje en La noche de Eva.

La obra nos convierte en testigos de un hipotético y caprichoso encuentro entre los espíritus de Eva Fréjaville y de Simone de Beauvoir, figura clave de la filosofía existencialista y del feminismo. Una primera imagen las revela reconociendo el espacio escénico y redescubriendo sus cuerpos en los espejos. Ninguna de ellas ha elegido esa cita y no saben con certeza para qué están allí.

¿Qué tienen en común? Su condición de mujeres, su nacionalidad, ser contemporáneas y sus vínculos con la cultura. Sin embargo, hay otro nexo que las une: las relaciones que sostuvieron con los protagonistas del ``diálogo imaginario'' publicado, en marzo de 1960, en el semanario Lunes de Revolución; un texto en el que el cubano Virgilio Piñera recreó su supuesta conversación con el francés Jean Paul Sartre, el ``adelantado'' de una izquierda europea deseosa de que la Revolución cubana anunciara su carácter socialista. Un documento revelador, que admite lecturas entrelíneas, donde el siempre irónico Piñera no puede evitar burlarse sutilmente del reverenciado filósofo y ``desacralizarlo'', y en el que también --como un mea culpa ideológico-- renuncia a su obra Los siervos, inadecuada en el nuevo contexto social de la isla.

El carácter no realista de la premisa permite a López Arenal asumir la composición de La noche de Eva con libertad imaginativa y pinceladas humorísticas (el absurdo chotís), pero por momentos el texto se ve lastrado por las abundantes referencias históricas y culturales insertadas a manera de pistas para orientar al espectador. El carácter informativo de esos parlamentos conspira contra una aproximación más sustanciosa a Eva, Simone y sus circunstancias, y resta fuerza al contrapunteo generado por sus actitudes y sus maneras antagónicas de entender la vida.

Las notas de Rosa Ileana Boudet en el programa de mano favorecen una recepción, si no completa, al menos suficiente, de algunos de los personajes y hechos a que se alude en la pieza. Aun así, el énfasis en detalles muy específicos (por ejemplo, la comparación entre los comportamientos de Piñera y de Nikita, personaje de Los siervos, una de sus creaciones menos difundidas) presupone conocimientos de difícil posesión para el espectador promedio. A la construcción dramática hay que objetarle, además, un vacilante desarrollo que desemboca en un final de dudosa efectividad.

El montaje de López Arenal tiene indudables aciertos visuales. Mario García Joya concibió un elegante diseño de luces y sombras, operado con precisión, y la escenografía de Eduardo Arrocha amplía creativamente el escenario de Teatro en Miami Studio con diferentes niveles y espejos que participan, con silenciosa complicidad, en el juego de revelar las aristas de los personajes. El vestuario en negro de Julio Villegas subraya tanto la sensualidad de Eva como el desdén de Simone por la coquetería femenina, y propone expresivos chales blancos y zapatos rojos como elementos confluyentes.

En la función del viernes 12 de junio, el desempeño de las actrices fue correcto y equilibrado: Yvonne López Arenal dibujó con organicidad la naturaleza hedonista, la frivolidad y la perspicacia de la Fréjaville, mientras Miriam Bermúdez entregó, como contrapartida, una cerebral y contenida Beauvoir, de proyección vocal quizás un tanto apagada en algunos pasajes.

Más allá de los señalamientos a la dramaturgia y de algunas soluciones reiterativas o naïves (los espectros ``alimentándose'' del público) del montaje, en este primer espectáculo de Akuara Teatro hay que celebrar su voluntad estética, la cuidada factura técnica y, sobre todo, la intención de aportar a la cartelera una propuesta que apele al intelecto y no a la trivialidad. En los tiempos que corren, no es poca cosa. •

Saturday, June 12, 2010

Eva y Simone. La noche boca arriba.


FOTO: ERNESTO GARCÍA

Eva y Simone. La noche boca arriba

Por Luis de la Paz 
Diario Las Américas


No hay mejor lugar para un magnífico encuentro que “el otro lado”. Allí todo es posible y alcanzable. El inquietante espacio es el ideal para desempolvar el pasado y mirar con pasión y desenfado, para criticar sin temor y reflexionar con ecuanimidad sobre cualquier tema. En ese “más allá” convergen Eva Fréjaville y Simone de Beauvoir gracias a las gestiones de la dramaturga y actriz Yvonne López Arenal, que ha puesto su imaginación para, como una suerte de médium, servir de enlace entre las dos mujeres del siglo XX, que llegaron a Cuba acompañadas de conocidos intelectuales. Eva, en 1939 junto a Alejo Carpentier y Simone, obnubilada por la revolución castrista, de la mano del filósofo Jean Paul Sartre, en 1960. 



Como López Arenal estructura su pieza sobre la base de una serie de eventos históricos, el margen de maniobra le es muy favorable, lo que le permite recrear (crea) un juego de palabras y situaciones entre las dos mujeres y el panorama intelectual y político que les rodeó durante sus vidas. 



A manera de resumen (histórico), la Eva, sensual y provocadora, abandona al afrancesado Carpentier para coquetear con el pintor Carlos Enríquez, quien en su estudio, El Hurón Azul, la pinta desnuda, incluso en la puerta del baño de la casa. Así que la Fréjaville, sucumbe ante el trópico y sus gentes. Por su parte, Simone, no menos libertina que su compatriota, no deja a Sartre en La Habana por otro hombre, pero sí queda atrapada por el seductor macho caribeño, que representa Fidel Castro, y en gran medida también el Che. ¿Entonces, qué une a estas dos mujeres, qué motiva a López Arenal a convocarlas? Pues pienso que Cuba y un pase de cuentas con la historia.



En medio de estos hombres y mujeres, un ser singular, Virgilio Piñera, como eje imaginario, tan imaginario como su Diálogo imaginario con Sartre, publicado en el semanario Lunes de Revolución, tras la visita del matrimonio francés y que es el motor que impulsa a López Arenal a hurgar en las vivencias de Eva y Simone. Lo que se dicen estas dos mujeres, lo que se reclaman, es todo un rejuego femenino, con trazos políticos e históricos que teatralmente funciona muy armónicamente, aunque demanda de un público más que atento. Es ventajoso ser cubano y definitivamente culto; de lo contrario, muchas sutilezas pueden escaparse. Por suerte el programa de mano acoge un concienzudo texto de Rosa Ileana Boudet, con la suficiente información para que el espectador no se pierda y pueda entender los intersticios de la trama.



La puesta de Akuara Teatro y Teatro en Miami Studio, es acogedora, predominando una atmósfera de sutil misterio, donde reina el negro, hasta en el vestuario, sólo los zapatos rojos refrescan el sobrecogedor ambiente. Las actrices, Yvonne López Arenal como Eva y Miriam Bermúdez como Simone, se desplazan con sensualidad por los tres niveles del escenario, diseñado por Eduardo Arocha, en el que los espejos, símbolos de vida y muerte, de reflejos y miradas encontradas, es uno de los aciertos de la propuesta. 



La proyección en una pantalla de los personajes que habitan en la obra también es otro acierto. Aunque requiere que el espectador los identifique, sirve al menos de guía del mundo que reflejará la puesta. Entre copas, desplazamientos por un escenario medio en penumbras, van apareciendo los fantasmas de las mujeres, que se enfrentan a sí mismas. En cierto momento uno de los personajes expresa: “Estamos aquí por Jean Paul y Virgilio”.



La noche de Eva es un fascinante tour de force entre estas dos espléndidas actrices. Un tenso discurso por las inquietantes aguas de la memoria. Una batalla, perdida de antemano, que transcurre entre los entretelones de la muerte, donde la noche se articula en espasmos violentos, hasta quedar como en el cuento de Julio Cortázar, exhausta, boca arriba. Sin duda una obra inquietante, como el mundo oscuro al que nos traslada.

Tuesday, June 8, 2010

El nacimiento de un nuevo local de teatro.


ArtSpoken: un nuevo espacio para la creación contemporánea en Miami.

El nacimiento es un acto sonoro, una acción que engendra ruido: cada nacimiento es un grito que se proyecta y repercute a través de la vida.

Así nací yo con Franklin Blanco este año, creo que haberlo conocido (por mediación del actor y director Tony Acevedo) me volvió niño de remate, desde entonces no paro de nacer, por nuevos caminos, con nuevas personas.

Conocer a Ivette Viñas ha sido un hallazgo artístico, con ella estoy (re)aprendiendo mi profesión de teatrero, en la manera de funcionar de los norteamericanos; más allá de ser la bella actriz de infinita intensidad que conocemos, Ivette es una ejecutiva eficaz, con gran experiencia en este oficio.

Con la ayuda financiera, legal y moral de Franklin, y el trabajo en el terreno de Ivette y yo, nace ArtSpoken, el nuevo espacio para los creadores de Miami, en el 529 SW 12 Ave.

Se trata de un espacio multifuncional, bastante pequeño, en el que se pueden desarrollar tanto puestas en escena de teatro, como conciertos, exposiciones de artes visuales, proyecciones de films, presentaciones de libros, cursos, talleres, en fin todo lo que propicia y genera la creación contemporánea.

Esta semana estaremos ultimando detalles para el foundraising de apertura, que tendrá lugar este sábado 12 de junio, a las 8 y 30 pm, donde se presentarán oficialmente los proyectos para esta temporada y habrá un concierto con Electric Pikete, Ivette Viñas y otros muchos invitados.

Otros comunicados hablarán de nuestra temporada, las obras que se estrenarán próximamente, los cursos y talleres que propondremos, etc.

Por lo pronto les diremos que Ivette Viñas dirigirá un campamento de verano para niños y adolescentes, a partir de siete años, centrado sobre el tema del teatro y la música, con desayunos y almuerzos muy sanos, por sólo $250, desde la segunda semana de junio hasta la primera semana de agosto.

Por nuestra parte, estaremos proponiendo un taller de creación: “Acting from within”, donde los interesados escribirán y actuarán un monólogo de 15 minutos de duración. Este taller se extenderá durante dos meses, a razón de cuatro horas por semana, al final se organizará un espectáculo de fin de taller, y los mejores trabajos serán producidos por ArtSpoken, lo que constituye una manera segura y rápida de integrarse al circuito de teatro profesional de la ciudad.

Pueden contactarnos por el momento por esta vía o al 305 609 4620 o yoshvani@yahoo.fr
Hace un año yo fui el boceto que dio nacimiento a una obra llamada a desaparecer al mismo tiempo que su obrero.

Hoy puedo decir que, gracias a Franklin Blanco e Ivette Viñas, he vuelto a nacer, y no puedo impedir un pensamiento de cariño y respeto para el actor Orlando Estévez, el Flaco de Punto y Coma, mi cómplice de tanta guerra.

El verdadero lugar de nacimiento es aquel donde por primera vez un hombre enfoca una mirada inteligente sobre si mismo.

Yo, que tengo varias nacionalidades y un sólo país, he comprendido que mi primera patria es el teatro.

Monday, June 7, 2010

Mariel: memoria y escritura .



OLLANTAY Center for the Arts

Con la colaboración del
 Centro Cultural Cubano de Nueva York y del Departamento de Lenguas Modernas y de Literatura Comparada de Baruch College presenta

 Mariel: memoria y escritura Destacados críticos y creadores analizan las 
resonancias culturales del grupo de escritores 
llegados a los Estados Unidos por el puente del Mariel

Con:
Miguel Correa, Mabel Cuesta, Maya Islas, Elena Martínez, Pedro Monge, Mirta Ojito, José Manuel Prieto, Andrés Reynaldo, Perla Rozencvaig y Francisco Soto

Sábado 12 de junio a las 10 am
Baruch College
55 Lexington Ave. @ 24th St., NYC

Almuerzo a la 1 pm 
Para reservar, llame al (718) 699-6772

PROGRAMA COMPLETO
Sábado, 12 de junio de 2010
10:00 A.M.

Bienvenida. Pedro Monge Rafuls, Director de OLLANTAY Center for the Arts

Perla Rozencvaig: In Memoriam a Reilnaldo que yo conocí


Primer Panel

Maya Islas: Reinaldo García Ramos y Roberto Valero: multiplicidad poética de sombra y luz

José Manuel Prieto: La experiencia americana de Guillermo Rosales

Francisco Soto: Libertad y disidencia en Reinaldo Arenas: un legado intelectual del Mariel

Moderadora: Elena Martínez

Almuerzo

1:00 P.M.

Segundo Panel

Miguel Correa: El Mariel y yo

Mirta Ojito: Mariel en el periodismo

Andrés Reynaldo: El Mariel: una poética en fuga

Moderadora: Mabel Cuesta

Sunday, June 6, 2010

La noche de Eva: Dos actrices cubanas en Miami.


Diseño de escenografía: Eduardo Arrocha.



Foto: Pepe Murrieta.

La noche de Eva: Dos actrices cubanas en Miami.

Por Pepe Murrieta

Centro Nacional de Investigación de las Artes Escénicas.
CNIAE.

Desde el escenario del acogedor espacio ubicado en la céntrica Calle 8, que antes tuvo otros propósitos y mediante el empeño y amor por la escena de Sandra y Ernesto García se ha convertido en una de las más importantes sedes teatrales de Miami, fue iniciada la temporada 2010 de esta pieza que tuvo su estreno absoluto hace casi justo un año (junio de 2009) en New York, premiada entonces por la Hispanic Organization of Latin Actors.

En el pequeño y confortable local de Teatro en Miami Studio, ya sea por la compañía del mismo nombre o por otras invitadas como en este caso, se hace teatro de arte. Así, las cubanas Miriam Bermúdez e Yvonne López Arenal, integrantes de Akuara Teatro, en circunstancias creativas bien difíciles (ensayos en la vivienda de una de las actrices, producción costeada casi absolutamente por ellas mismas...) han comenzado a presentar la puesta en escena dirigida por la propia autora del texto, quien además actúa.

Desde que asistí a uno de los ensayos en casa de Yvonne recordé lo que Vicente Revuelta repite incesantemente en sus pocas comparecencias públicas: en el teatro no puede faltar la poesía. El espectáculo de alrededor de una hora de duración que vi la noche del viernes 28 de mayo de 2010, contiene un intenso halo poético de principio a fin, a partir de su estilo intimista, de su acercamiento al teatro psicologista y de la elitista e imaginativa historia narrada.

Si los referentes culturales básicos en que se sustenta la trama (Virgilio Piñera, Jean-Paul Sartre, Carlos Enríquez, Alejo Carpentier, y ellas mismas, Simone de Beauvoir y Eva Fréjaville) pueden resultar importantes en la comunicación con el público, el rico e inteligente diálogo entre estas dos mujeres, expuesto como una suerte de ensoñación, capta el interés y la atención de los espectadores, aún cuando no hubieran leído previamente las notas al programa escritas por la investigadora y crítica Rosa Ileana Boudet, quien realiza imprescindibles acotaciones de naturaleza histórica. El elemento artístico más significativo de la puesta son las actuaciones de Miriam Bermúdez e Yvonne López Arenal. Un excelente manejo de voces va condicionando el consecuente trabajo corporal. El campo visual centrado en sus imágenes es destacado por espejos que las refleja y multiplica desde diversas perspectivas espaciales. Al finalizar la función, en íntimo brindis ofrecido por el equipo creador, algunos renombrados cineastas cubanos presentes coincidieron en destacar cierto aire cinematográfico logrado con el uso de los reflejos. En este sentido, podemos relacionar la eficaz proyección del collage de fotos creado por Mario García Joya.

Vitales, concentradas, afinadas al mismo tono como instrumentos musicales, las dos actrices se convierten convincentemente en estos bohemios personajes vinculados con Cuba y su cultura, que transitan -¿desde la muerte?- por el imaginario encuentro. Los comportamientos refinados y la presencia de ademanes aristocráticos se subordinan al mensaje central, que es el manifiesto encanto que "célebres criollos" ejercieron sobre ellas. De esta manera, López Arenal justifica su interés por rememorar lo que pudieran haberse dicho y cuestionado las dos francesas.

El grupo de artistas básicamente de origen cubano, encabezados por la autora, actriz y directora Yvonne López Arenal que reside en Miami desde hace varios años, presenta un hermoso relato, a través de una cuidadosa concepción dramatúrgica y un esmerado y coherente tratamiento escénico, avalado por un importante reconocimiento en el círculo cultural hispano de New York.

Me han llegado noticias de que una muestra de teatro cubano-americano será realizado en Cuba en los próximos meses; me atrevo a asegurar que el público habanero disfrutaría, comprendería como pocos, y aplaudiría esta puesta en escena.

Sobresalientes, insisto, resultan las actuaciones de la pinareña Miriam Bermúdez y la habanera Yvonne López Arenal, así como el minimalista diseño de escenografía de Eduardo Arrocha y la sintética y armoniosa banda sonora creada por Mario García Joya y López Arenal.

La noche de Eva vista por Jesús Hernández.



Foto: Ernesto García.

Una pieza concisa


Por Jesús Hernández
LA REVISTA DEL DIARIO.

Dos mujeres francesas, aparentemente comunes, se encuentran al otro lado del límite de la existencia para hablar del pasado y dilucidar las causas de ciertos sucesos. Un encuentro con aire de copas donde no faltan la rivalidad y las memorias tropicales en la Cuba del escritor Alejo Carpentier, el pintor Carlos Enríquez y el dramaturgo Virgilio Piñera. Un texto escrito por Yvonne López Arenal que tiene por título La noche de Eva y es presentado en la sala Teatro en Miami Studio bajo la dirección de la autora.

Las dos francesas tienen por nombre Eva y Simone, precisamente Eva Fréjaville y Simone De Beauvoir. Dos mujeres que bebieron de las aguas de la intelectualidad y a ella se ocuparon la mayor parte de sus vidas, aunque Eva tuvo la grata peculiaridad de vivir el acontecer cultural y sociopolítico de la isla caribeña, además de ser una popular figura de la sociedad intelectual habanera. “Madame Eva”, como le llamaba Virgilio, según asegura el escritor cubano Antón Arrufat en una entrevista.

De hecho, Eva llegó a La Habana de la mano de Carpenter en 1939, pero pronto se separó y se casó con Enríquez, el pintor que la retratara desnuda.

Simone apenas conoció a Cuba en un par de viajes relámpagos que hizo con su pareja, el célebre filósofo francés Jean Paul Sastre. Mujer de pensamiento existencialista, feminista y también marxista que abrazaba entonces a la llamada Revolución Cubana.

Unos meses después las cosas cambiaban y Eva huía de Cuba como muchos otros, mientras Carpentier aplaudía a la Revolución, sobre todo desde París; y Virgilio planteaba sus miedos ante la creciente manipulación y censura que se acercaba.

En ese contexto histórico, donde abundan los pasajes de vivencias y convicciones, Yvonne López Arenal asume la escritura de un texto conciso y bien intencionado que desempolva a estas dos mujeres para sugerir sus verdades, al mismo tiempo que rememora la posición de Virgilio Piñera como la realidad que continúa golpeando a la intelectualidad cubana en la Isla. Una pieza teatral con matices de relato que resulta ser amena.

Una sala bien situada con dos butacas, un par de mesitas y algunos espejos conforman la escenografía necesaria de Eduardo Arrocha. Butacas y mesitas que cumplen las funciones esperadas, así como los espejos que además sirven a los personajes para mirarse así mismo y buscar las interioridades.

Yvone asume a Eva, además de la dirección de la puesta en escena. Doble función que aquí resulta ser arriesgada y provoca la falta de una atención mayor al desarrollo del papel protagónico. Personaje que debe proyectar la fluidez de identidades y el acrecentamiento de la trama que el propio texto exige.

Miriam Bermúdez asume a Simone con el carácter necesario y esperado, aunque igualmente el ímpetu de la dirección falla si tenemos en cuenta las muchas veces que el personaje proyecta su actuación al público.

La noche de Eva es ante todo un texto que cuenta con la buena iniciativa de juntar a estos dos personajes, aparentemente comunes y disímiles, para incorporar otros importantes y todos juntos sacar a flote las inquietudes que tal vez tuvieron y no pudieron responder en vida.

Thursday, June 3, 2010

"Tent City" de Miñuca Villaverde.



"Tent City", documental sobre el Mariel
By ARTURO ARIAS-POLO
NUEVO HERALD

Tent City (Ciudad de las carpas) documental de 30 minutos realizado por la periodista Miñuca Villaverde se exhibirá hoy en Havanafama Teatro Estudio, como parte de una serie de actividades que viene presentando la sala en conmemoración del XXX aniversario del Exodo del Mariel. El filme explora la atmósfera que acompañó a los cientos de refugiados cubanos que, tras abandonar la isla en 1980, vivieron en un campamento improvisado bajo la autopista I-95 de Miami.

La proyección estará acompañada por un panel en el que participarán el escritor Luis de la Paz, la actriz Belkis Proenza y Juan Roca, actor y director de Havanafama.

``La idea de programar este documental partió de Juan Roca, que también es `marielito'; como él ha venido presentando una serie de lecturas dramatizadas de obras sobre el éxodo del Mariel, le propuse proyectar Tent City, que se ha exhibido muy poco en Miami'', explicó De la Paz. ``Creo que este trabajo de Miñuca Villaverde y En sus propias palabras, de Jorge Ulla, son documentos que captan como ninguno la esencia del Mariel'', destacó el escritor.

La participación de Roca y Proenza en el panel brindará la mirada de otros dos marielitos que han seguido la problemática. Tent City; tiene fotografía en color y edición de la propia Miñuca Villaverde, quien lo narró en inglés. El sonido directo es de Fernando Villaverde. Proyección de `Tent City' (`La ciudad de las carpas') en Havanafama Teatro Studio, 752 SW 10 Ave. Hoy a las 8 p.m. Información: (786) 319-1716.

Wednesday, June 2, 2010

El principe y el mar. Galería.



El Instituto Cultural René Ariza – ICRA terminó su ciclo de lecturas dramatizadas, de autores cubanos en el exilio. En esta oportunidad, se presentó la obra

El príncipe y el mar

de Eddy D. Souza

La lectura tuvo lugar en la sala HAVANAFAMA Teatro Estudio, este martes 1º de junio, a las 8:00 pm. El equipo artístico y técnico está conformado por:

Laura Zarrabeitia, 
Belkis Proenza, 
Juan Roca, 
Yoan Vega

Música e Iluminación: Meysell Quintana


Producción: Compañía Teatral Havanafama y Artefactus Teatro


Puesta en escena: Eddy D. Souza

Sinopsis de la obra
“Mariano, el príncipe, es el personaje central de esta obra; el mar, el motor que impulsa y motiva al primero. Casi desde el comienzo comprendemos que el príncipe no es tal cosa, y, al final, que el mar es un elemento inalcanzable, lo cual nos lleva a la conclusión de que la creación se mueve en planos de imaginarias presencias escénicas que existen tan sólo en la fantasía de los propios personajes, por buscar un modo llano de explicar la compleja naturaleza de la pieza. La madre, Petra, imagina ser la reina de un país fantástico; el padre, Eutimio, imagina ser el rey. Mariano, el hijo de ambos, habrá de ser, consecuentemente, el príncipe, pero él es un niño asmático que se convierte en el centro y motivo de todas las acciones, preocupaciones y terrores del rey y la reina. La abuela, Ángela, quien viene del mundo exterior, aparece en la segunda escena y es el ente que amenaza destruir el equilibrio del ficticio orbe que los padres han ideado para la protección (desmesurada y enfermiza) del hijo. Es la abuela, precisamente, la que introduce la noción del mar como algo maravilloso que puede dar al chico paz y felicidad. Pero en la mente de los padres, que buscan cualquier pretexto, por absurdo que parezca, para que el príncipe no abandone su encierro, aún la proximidad del mar (algo de afuera) se torna nocivo”.
Luis González-Cruz.

Valoración de Luis González-Cruz
“Lo que caracteriza esta obra es su auténtico monismo lúdico; en ella la única realidad fundamental (carente de pluralismos) es el Juego (con mayúscula). A esto habrá que añadir otros niveles metalúdicos, que sobrepasan el juego básico y se entrecruzan”.

“…este drama es una inteligente mise en abîme, en la cual se pasa del primer nivel de la representación (o tal vez segundo, porque los personajes, de entrada, están actuando sus papeles y dependiendo del libreto) al otro esencial de realidad dramática (el juego), de éste a otro (los títeres), para escalar entonces otro más distante aún (la historia que a través de los títeres se cuenta); finalmente, se propone un nivel ulterior que queda abierto a la imaginación: el del niño que cruza las fronteras de su última realidad para perderse en el mundo de los sueños sin frontera. Dicha multiplicidad de planos, que a cada instante ofrece una nueva sorpresa, enriquece esta original obra y amplía, sin duda, la experiencia del espectador o del lector”.

Fuente: González-Cruz, Luis. “Sobre El príncipe y el mar”. En: Ollantay Theater Magazine, XVI, Num 31-32, 2008. pp. 126-128.