Magazine Cultural. Instituto Cultural René Ariza

VIVIR POÉTICAMENTE / Álvaro Alba

2012-01-28T16:03:00.004-05:00

Foto cortesía de Iván Cañas.

Palabras pronunciadas por Álvaro Alba, en la presentación del libro DÍAS YA VACÍOS de Elena Tamargo en Akuara Teatro: Sala Avellaneda. Bluebird Editions, 2012.

Cortesía de La Primera palabra.
viernes 27 de enero de 2012

VIVIR POÉTICAMENTE / Álvaro Alba

Toda la poesía del mundo se puede sintetizar en un solo poeta: Elena Tamargo Cordero. Ella es la más universal de todos los poetas cubanos de su generación. Fue desde una bahía al norte de Cuba hacia La Habana y de allí viajó tanto en el lenguaje como físicamente, reconociendo ella que -

Era un pueblo de mar y yo nací.

La filología alemana fue el inicio, y fue la chispa. Comenzó por una lengua difícil, cuando otros en la Colina preferían la literatura inglesa o francesa. Siempre dijo que los misterios germanos le venían desde su natal Cabañas. Esa perfección en su estudio, esa puntualidad y corrección en las tareas es de alemanes, y Elena era puntual, perfecta en sus notas y meticulosa en su trabajo.

Y es que el romanticismo alemán fue su tema preferido y su poeta, Johann Christian Friedrich Hölderlin. Disfrutaba ese modo de hacer poesía conjugándolo con la reflexión germana. En alemán y con Hölderlin, comprendió e interiorizó que ser poeta era una “profesión de fe completa”, como confesó en cierta ocasión el genial y atolondrado poeta en una carta a su madre.

Tradujo Elena del alemán versos de ese clásico y con orgullo los presentaba. Fue la literatura y la filosofía alemana un castillo de valores que fue cimentando la cultura universal de aquella recién graduada universitaria.

En el dolor humano, en el dolor espiritual, está el origen de su poesía y este dolor marcó toda su obra. Ella comprendió que la esencia de la poesía se halla cuando el poeta queda consigo mismo en la suprema soledad de su destino. Tenía ella llevaba enraizada la poesía en su corazón, como el poeta alemán.

He visto a pocos con tanta fe en la poesía, o quizás Elena ha sido la única a quien he conocido con ese compromiso, consciente y predicando el origen divino de la poesía. Tenía ese concepto perenne de lo poético para ver el mundo. Era su prisma. Había poesía y separado - todo lo demás del mundo. Y el poeta es sagrado, divino, elevado, es casi un mensajero de Dios, un elemento celestial. Ella compaginaba lo universal de la poesía con el dolor del poeta. Y terminó escribiendo con ese sentido trágico de la vida propia de aquellos alemanes clásicos del romanticismo.

Fue su poesía inicial carente de consignas o llamamientos ideológicos. No se propuso ser una “ingeniera del alma”. Rechaza la labor, confesando que –

Los más elementales atisbos de política,

los efectos y causas me eran también ajenos.

En la poesía alemana disfrutaba lo mismo un clásico medieval, como lo era Holderling, como al moderno, Paul Celan, a quien consideraba como el más grande del siglo XX.

De la literatura y poesía germanas se traslada a la rusa con una inmersión total. Deja las aulas cubanas para pasar a los salones de Moscú, donde se recitaban poemas perdidos, olvidados y prohibidos. Llega en una de las etapas más importantes de la historia de ese país –la perestroika. Consideraba un privilegio el vivir la perestroika en Moscú.

Allí descubrió la obra poética de Anna Andreevna Ajmatova y Marina Ivanovna Tsvietaeva que se le abren en toda su dimensión y dolor; y páginas de la historia que estuvieron por años selladas, prohibidas o mutiladas.

También Serguei Alexandrovich Esenin, Alexander Alexandrovich Blok, Osip Emilievich Mandelshtam y Vladimir Vladimirovich Mayakovsky, los poetas del Siglo de Plata, esos que con nombres propios van de la poesía rusa a la soviética, al margen del realismo socialista. Son románticos, llenos de tragedia y dolor; a la mejor manera del alma rusa. Cada vida destrozada de un poeta bajo el estalinismo tenía para ella un simbolismo.

Si tenía que releer algún poeta de esos, Anna A. Ajmatova era la preferida. Tenía una reproducción del boceto que hiciera en 1911 Amadeo Modigliani a la entonces joven poeta rusa en París que acompañaba a Elena de ciudad en ciudad, de casa en casa.

Ella se apropió también del dolor de la poesía rusa, con la tragedia perenne del poeta eslavo. En el ambiente literario de Moscú disfruto los versos de aquellos que se iban abriendo paso de nuevo en las editoriales, y oía, de primera mano, a autores clásicos como Yevgueni Alexandrovich Yevtushenko y compartió con Lev Nikolaevich Gumiliov, el hijo de Anna Andreevna Ajmatova y Nikolai Stepanovich Gumiliov. Detenido Lev durante el estalinismo, cargando las culpas de su padre y los poemas de su madre.

Visitó en la entonces ciudad de Leningrado, la casa No. 34 de la calle Fontanka, donde por más de 20 años vivió Ajmatova, la poetisa que idolatraba. Gustaba Elena no solo de recitar el Réquiem sino de repetir, para que otros supieran ese importante mensaje que lanza la poetisa rusa en un fragmento de su corto, pero monumental poema Réquiem –

-¿Y usted puede describir esto?

Y yo dije:

-Puedo.

Esa fue entonces la tarea de Elena, describir el dolor. Asumió como Ajmatova la misión de contar lo que viera, lo que sintiera. Esa tarea poética de mostrar el dolor que escapa a la vista de otros, del dolor personal, familiar, nacional, universal, del dolor humano y animal. El estoicismo de Ajmatova para soportar el dolor personal y hacer de él poesía, era su paradigma.

Aprovechó aquella época dorada para conocer y ver más. Recordaba que al visitar la casa donde vivió el poeta turco Nazim Hikmet, le venía a la mente un libro publicado en La Habana en los años 70, titulado Duro oficio el exilo, sin imaginar ella que llegaría un día a ser exiliada.

En México, vive como exiliada, primero con la zozobra por el permiso retenido en La Habana para que su esposo Osvaldo Navarro y su hijo Nazim pudieran viajar al D.F. Dice que allí se curó de la nostalgia de exiliada, para curarse de toda remembranza o arrepentimiento.

Allí no abandona la academia y obtienen un doctorado en lenguas modernas en la Universidad Iberoamericana de Ciudad México. Su tesis doctoral fue dedicada al poeta Juan Gelman, quien nació en la Argentina, de padres inmigrantes judíos ucranianos y que vive todavía en México. Y con que entabló una profunda amistad.

Elena en el mismo prólogo confiesa que el exilio es un duelo y ese exilio fractura al hombre en dos: el que asume lo contingente de la vida cotidiana y el que no tiene materialidad, y vive solo en lo ilusorio de la memoria, que trata de recuperarlo.(1)

Supo ella encontrar las estrategias del lenguaje y de la memoria en el poeta exiliado, y militante. Fue tejiendo un puente entre exilio y memoria, muerte y memoria y poesía y memoria.

Asumió el verso del poeta estudiado –

Como si la soledad extrema del exilio me empujara a buscar raíces

en la lengua, las más profundas y exiliadas de las lenguas.

México fue su segunda patria. Llegó en 1992 y se naturalizó el 25 de octubre del 2000. Fue escogida para hablar ante el presidente en esa ceremonia y su discurso frente a Ernesto Zedillo, fue de un tema: el poeta.

Elena recordó allí a los poetas que acogió el suelo mexicano, mencionando a los cubanos José Martí, José María Heredia y a los españoles Luis Cernuda y León Felipe. Rindió homenaje a los mexicanos Octavio Paz, José Juan Tablada y al cantautor José Alfredo Jiménez.

En el discurso el mandatario precisó: Con razón dijo hace un momento Elena Tamargo -y me conmovió mucho escucharla- que México es, además, tierra de poetas; nos dijo: "casa-refugio de poetas que han sido obligados a dejar su palabra natal".Bueno, bienvenidos por supuesto los poetas porque nunca ningún país, ningún pueblo, ninguna Nación tendrá suficientes poetas, y bienvenidos todos ustedes, mujeres y hombres de distintas profesiones, oficios y ocupaciones.(2)

Con orgullo afirmaba que en esa tierra aprendió la hermenéutica, que le apoyó el conocimiento del alemán para entenderla y aplicarla. Con esa lógica alemana, nada común en Cabañas, fue elaborando su impresión de otros mundos transcendentales, buscaba una relación lógica con el lenguaje. Buscaba siempre reflexionar, no analizar ni memorizar.

En la capital mexicana fue compaginando el periodismo con la docencia, lo mismo en grandes diarios que en proyectos audaces de revistas y semanarios.

Y aquel país marcó los dolores más profundos y fuertes que llevaba Elena. Falleció Osvaldo allá, y un día le anunciaron la enfermedad que no gustaba de mencionar, por aquello de la fortaleza de la palabra. Con valentía asumió el reto de operación y tratamiento, sin abandonar nunca el aula, dando clases, conferencias, leyendo poesías para educar. De aula al quirófano, del auditorio de conferencias a las sesiones de radiación. Nadie le oyó quejarse, lo hacía con fe y esperanza. Ella consideraba que su poesía era una cicatriz perenne, (poema sobre la carne), abierta constantemente sobre la carne.

A diferencia de los poetas alemanes que ella amaba, la soledad nunca fue su estilo. La familia y sus amigos eran sus constantes. Su casa, donde estuviera, era un santuario de la amistad, procurando que hubiera claridad y luz, amistad y paz.

Esta es mi casa a una gran distancia

Pero ahora solo me importa la luz de su ventana

esa luz está ahí porque él la encendió

y el agua del pastor llega a mi boca

Dejó atrás el D.F. y los planes literarios y el pedestal docente para comenzar una nueva etapa de su vida en Miami. Decía que aquí quería vivir y sanarse. Volvió al periodismo, a las entrevistas, a las fotos, a preguntar y nunca por muy de farándula que fuera el personaje a entrevistarse, dejaba ella de darle un toque serio e intelectual a la entrevista. Sabía encontrar un filo del alma a cada personaje.

Hay sitios que recorre en su poesía que toma para sí – claro que La Habana es uno de ellos, así titula un poemario Habana Tú, pero era de ella también. Cabañas, es el Génesis y vienen Bakú, Sajalin, Moscú, Santo Suárez, DF, Atenas, Samarcanda, Bronx, Monterrey, Neva, etc.

Y en ellos están - Osvaldo Navarro y Nazim Navarro. Él es el poeta, y el hijo presente, quien empina papalote, el nombre escogido,

Era su propósito en la poesía el buscar que los muertos se levanten, que caminen los fallecidos, que la vida prosiguiera, que no se acabara. La eternidad como punto final.

Al tiempo que andaba con esa universalidad a cuesta, sin proponérselo. Tenía el alma cubana a flor de piel. Nunca dejó de sentir el punto guajiro cubano, la trova del Caribe, sin importar donde viviera. El día de su cumpleaños no tenía mejor regalo que unos repentistas levantando la voz y afinando las guitarras. Para Elena el campo cubano, en especial Cabañas, con su bahía y ese entorno de isla, costa, campo, montaña, le unía a toda Cuba. Y esos repentistas, con voz de campo y amanecer iban hilvanando notas y rimas que la hacían vivir de nuevo en la isla.

Un cuadro, una montura, algún farol tiznado

y las espuelas hincan la pared.

Tuvo el inmenso privilegio de compartir con grandes poetas, escritores de todo el mundo, sin dejar de ser modesta. De contar con humildad de los encuentros con Mario Benedetti, con Juan Gelman, Lev N. Gumiliov, Eliseo Diego.

Sus proyectos siempre eran permanentes. Para dar sentido a la vida, y lo mismo dando conferencias, clases o recitando. Con paciencia de educador impartía clases por Internet en varios centros educacionales mexicanos. Y les dedicaba más horas a sus estudiantes que las retribuidas. Pero por eso era Profesora, con mayúscula.

Lo que tenemos delante es un compendio de sus obras publicadas y varios poemas inéditos. Aquí están sus poemas de los 80 en La Habana, los escritos en el período moscovita, los que reflejan el paso por México y los de Miami. Algunos inéditos también aparecen en este trabajo que viene de la mano de Manny López y Heriberto Hernández. Y va aquí también un especial agradecimiento a la editorial Bluebird que ya ha editado a 15 autores, cubanos y húngaros. Trayendo a esta ciudad poemas y ensayos de Atlanta, Miami, New York y Budapest. Los editores escogieron fragmentos de su obra publicada para tenerlos a mano en un solo libro. Y en el aparecen los versos iniciales de Elena y los inéditos.

Con dignidad afrontó su enfermedad, e inclusive dejo sin terminar una novela sobre el como afrontarla. A pesar de todos los diagnósticos, todos los tratamientos, ella continuaba laborando. Nunca dejó de caminar al teatro, que fue quizás su último refugio. Disfruto como nadie en esta ciudad el último festival de teatro. Iba a todas las obra, y escribía. No era una asistente pasiva. Recuerdo verla aquí en este teatro durante el estreno de El Banquete Infinito el verano del 2011.

Cuando iba a una obra volcaba su sabiduría en las reseñas, que se convertían en casi ensayos sobre el teatro que aparecieron entonces en la prensa local.

Se negaba a dejar de pensar, de crear, de tener proyectos. Y soñaba con vivir en un pequeño pueblo al lado del mar, como recordaba su colega y amiga Elvira de las Casas al fallecer Elena. Partió precisamente un día que todos esperaban oír de sus labios los poemas. Y este libro en especial, que ella no deja vacío, sino lleno de poesía.

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Falleció en La Habana Humberto Arenal.

2012-01-26T16:32:00.010-05:00

A las 2 y 15 de la tarde del 26 de Enero de 2012, sereno como era, falleció en La Habana el dramaturgo, escritor y director teatral Humberto Arenal.

A mi tío que conoció mi ranita en nuestra casa de Santos Suárez y alimentó mi amor por el teatro.

La niña en la cocina

La pulpeta es amasada en la cazuela.
La noche se aproxima, reconoce su olor.
Un Príncipe Negro penetra la rendija de la verja.
La ranita de la casa ya está en el fregadero.
La niña la espera y luego juegan.

Yvonne López Arenal.

Electra Garrigó: una lectura dramatizada que la prensa pasó por alto

2012-01-26T13:02:00.002-05:00

Foto: Miguel Pascual. Carlos Alberto Pérez, Matía Montes Huidobro, Miriam Lezcano Brito, Lian Cenzano, Belkis Proenza, Yvonne López Arenal y Christian Ocón.

Electra Garrigó: una lectura dramatizada que la prensa pasó por alto
Elvira de las Casas

En el recién celebrado Congreso de Dramaturgia y Artes Escénicas: Teoría y Práctica del Teatro Cubano del Exilio, que tuvo lugar en Miami, entre los días 12 y 15 de enero de 2012, recordando a Virgilio Piñera en el año de su centenario, uno de los eventos más destacados fue la lectura dramatizada de Electra Garrigó. Dirigida por Miriam Lezcano y representada por los actores de Havanafama y Akuara Teatro, Belkis Proenza, Yvonne López Arenal, Christian Ocón, Carlos Alberto Pérez y Lian Cenzano, esta lectura dio inicio a las actividades del congreso con la presencia de invitados y del público en general.

Me atrevería a decir que gran parte de los que presenciamos la lectura de esta versión de la obra más reconocida de Piñera, escrita por Matías Montes Huidobro, pensábamos encontrar simplemente eso, una lectura más parecida al trabajo de mesa realizado por los actores antes de comenzar los ensayos que a una puesta en escena con todas las de la ley. Por eso fuimos gratamente sorprendidos con una dramatización de altísimo nivel actoral y de dirección, respaldada por una acertada escenografía y un vestuario sumamente arriesgado y original. Al punto que, en lo adelante, cada vez que recordemos a esta Electra, lo primero que nos vendrá a la mente será la imagen de Belkis Proenza con un despampanante sombrero adornado por velos de varios colores, del que pocas veces pudimos apartar la vista durante la primera parte de la pieza.

Realmente el trabajo de Lezcano y de los actores que subieron al escenario de Akuara Teatro en la noche inaugural del Congreso ofrecieron un espectáculo profesional y arriesgado, del tipo que el público de Miami desearía poder ver más a menudo. Por eso es inexplicable que la prensa hispana de esta ciudad ni siquiera haya mencionado el esfuerzo de estos actores que, a pesar de pertenecer a compañías diferentes, se unieron en un mismo proyecto con la única intención de abordar con respeto y agradecimiento esta obra que marcó el comienzo de la modernidad en el teatro cubano, como han reconocido los críticos.

Los amantes del teatro latinoamericano están muy familiarizados con Electra Garrigó. Con esta obra Virgilio Piñera tuvo el “atrevimiento” de transplantar la clásica tragedia griega de Sófocles a La Habana de la segunda parte del siglo 20, y de usar la figura mitológica de Electra para reflejar la relación de pareja y los conflictos entre los hijos y los padres en la época moderna. Por eso resulta difícil imaginar que esta obra pueda ser objeto de actualización, más allá de la que concibió el propio Virgilio Piñera. Pero el talento de un buen director teatral no tiene límites, y si bien Piñera sorprendió al público de su época con un coro que, en lugar de narrar los hechos representados al estilo de los coros griegos de la antigüedad, lo hacía cantando la Guantanamera, a esta versión, repito, escrita por Montes Huidobro y dirigida por Miriam Lezcano, se la han añadido versos cantados a ritmo de rap y hasta pelucas de color neón que semejan el look de los cantantes rockeros de hoy día.

Yvonne López Arenal, en su personaje de Clitemnestra Pla, logró el justo tono dramático que esperaban de ella los asiduos a su sala de teatro en el distrito de arte de Bird Road. Y para los que no habían visto antes la actuación del actor nicaragüense Christian Ocón, fue un verdadero descubrimiento su Agamenón Garrigó, que por momentos se “roba la escena”, y que durante toda la obra estuvo a la altura de su pareja teatral, López Arenal.

La Electra que vimos durante el Congreso de Dramaturgia evidenció no solo que la obra de Virgilio Piñera sigue tan vigente como cuando se estrenó en 1948, sino además que el talento teatral de esta ciudad tiene mucho que brindar. Sólo hay que dejar a un lado los egos equivocados y trabajar con un objetivo común: darle el lugar que merece al teatro hispano en los escenarios de Miami.

Elvira de las Casas

Días ya vacíos de Elena Tamargo.

2012-01-24T15:13:00.001-05:00

ZU PROJECT Jueves 26 de Enero en AKUARA TEATRO 8:00 pm

LECTURAS DRAMATIZADAS “CELEBRANDO A VIRGILIO”.

2012-01-24T10:00:00.002-05:00

Foto: Mario García Joya.Christian Ocón, Joan Vega, Yvonne López Arenal, Carlos Alberto Pérez, Miriam Lezcano Brito, Lian Cenzano y Belkis Proenza.

Matías Montes Huidobro

Uno de los objetivos del Congreso “Teoría y práctica del teatro cubano”, “Celebrando a Virgilio” (Enero 12-15, 2012) no fue otro que establecer correlaciones entre el discurso crítico del texto dramático y el montaje escénico, ya que ambos aspectos están profundamente relacionados. Todo montaje es un discurso crítico del texto, que es un hecho teatral desde el momento en que se concibe, como una criatura que se gesta en el útero, e ignorar una cosa o la otra es un error. Por consiguiente, toda exposición teórica no hace más que iluminar la obra y debe tomarse en consideración al llevarse la obra a escena, como aprendizaje, ya que es un paso que la enriquece y permite obtener un resultado óptimo, que es lo que con frecuencia los directores, desde su altura olímpica, ignoran. Una cosa y la otra se complementan, porque toda lectura de una obra dramática es un montaje. De ahí mi particular empeño en las lecturas dramatizadas, como punto intermedio entre un extremo y el otro. Akuara Teatro fue la sede de tres de estas dramatizaciones, llevándose a escena otros dos en el “escenario” del Wesley Hall y en la sala Prometeo del Miami Dade College.

Foto: Miguel Pascual. Carlos Alberto Pérez, Matías Montes Huidobro, Miriam Lezcano Brito, Lian Cenzano, Belkis Proenza, Yvonne López Arenal y Christian Ocón.

Electra Garrigó

No hay más que partir de los título de algunas ponencias presentadas en esta convención, para darnos cuenta de la correlación entre teoría y práctica, como lo demuestran tres que paso a citar. La más obvia, “Electra Garrigó y la familia cubana en el ojo del huracán” (de Morbila Fernández) apunta sencillamente a las relaciones volcánicas, adulterinas e incestuosas, de una familia mal llevada, camino de resolver el problema con sangre, dispuesta a matarse unos a otros, que es pura crónica roja. En un análisis crítico de mi obra Oscuro total, Phyllis Zatlin observa, en otros términos, que leyendo el periódico uno se da cuenta de que la tragedia griega es pan nuestro de cada día, llevándose a cabo, hoy en día, espantosas limpiezas de sangre como la que lleva a efecto Electra Garrigó. Para explicarlo escénicamente se necesitaba conjugar el asedio de Electra y la manía persecutoria de Clitemnestra, de la cual se encargará de caracterizar teatralmente Yvonne López Arenal en toda su tajante desesperación, asediada por la desfachatez solariega que le da la tónica a la Electra de Belkis Proenza, cuya aproximación apunta el título de otra ponencia académica; la de Diana Alvarez-Amell cuando afirma que “Electra deja la tragedia”, justificándose así su gesticulación, su vestuario retador y estrafalario y en particular su peluca roja, que aunque sangrienta, no deja de ser paródica. No se trata en este caso de una muchacha fría y calculadora, inteligente y educada, como lo fuera, en otros tiempos, Lillian Llerena; sino una chica desfachatada y bastante solariega, atrevida y hasta grosera. Esa ferocidad dada plenamente entre madre e hija responde al análisis de la conferencia de Pilar Cabrera titulada, “Salida teatral: medios masivos y melodrama en el teatro de Virgilio Piñera”, que aquí, gracias a la versatilidad de Carlos Alberto Pérez, a su destreza musical, de un lado, sin escatimarnos las chulerías de Egisto, y a la concepción de la situación por Miriam Lezcano Brito, tienen una dimensión del aquí y ahora, Miami cubano con sabor a Calle Ocho, como en su momento también hizo Alberto Sarraín con su montaje de la obra, como si la “idílica” familia cubana estuviera en cualquier tiempo y en cualquier parte. Aunque representa una novedad, tiene su antecedente en aquella “guantanamera” que llevó Morín a escena y puso a Electra Garrigó en el mapa, después del fracaso de su primer montaje. No hay que pasar por alto el Agamenón de Christián Ocón que, con palangana o sin ella, tiene muy excelentes momento, secundado por Lian Cenzano a cargo de Orestes, que siempre ha sido, en todos los montajes que he visto, el personaje más flojo Piñera.

Dos viejos pánicos.

Siguiendo con Piñera, la dramatización de Dos viejos pánicos resultó excepcionalmente lograda, resuelta con una sencillez, tensión y eficacia de primera línea. Con dos butacas tipo bar, se resolvió todo el problema escenográfico, que sencillamente no necesitaba nada más. Todo Piñera estaba en el montaje, a la altura de uno que, hace varias décadas le vi a Morin en Nueva York. La propuesta de Valentín Alvarez-Campos no pudo ser más simple y al mismo tiempo más teatral, con un enfoque absoluto en el arte del actor, que es para mí la esencia del teatro. La constancia de ese juego pesadillesco entre Tota y Tabo se mantiene en pie desde el primer momento hasta el final, repetitivo, implacable, sin concesiones, llevándonos a la desesperación, anhelando de que termine la obra de una vez por todas, de que no vuelva sobre sí misma, sin importarle a Piñera un desarrollo argumental de ningún tipo, para joder, para jodernos, para que experimentemos gracias a la repetición lo que Tota y Tabo están viviendo, su tortura. La implacabilidad de esta relación mutua esta dada gracias a dos trabajos de actuación estupendos. De Daysi Fontao siempre habíamos oído decir que era una gran actriz, pero nunca la habíamos visto en escena, temiendo que, como ocurre frecuentemente, se exagerara; pero no, este no es el caso, porque su absoluto dominio de la voz, el gesto, los matices, que son los mismos y son diferentes, van y vienen hasta agotarnos, sin tiempo y en el mismo tiempo. Jorge Ovies hace otro tanto, pero no para subírsele a Fontao, que hubiera sido un error de actuación y por extensión de dirección, sino para diferenciarse, para matizar el juego de otro modo, para tocar la desesperación con otra nota, dándonos una muestra definitiva del mejor quehacer teatral. La dramatización ilustró cuando menos un par de aproximaciones teóricas presentadas en “Celebrando a Virgilio”: la de Luis González-Cruz “Virgilio Piñera en la encrucijada de la Revolución” y la de David William Foster, “Instancias queer en Dos viejos pánicos”. Ambas enfocaron la atención en estas “instancias” del texto, siendo un hecho significativo que en la versión original de Piñera, no se tratara de dos viejos pánicos de sexo opuesto, sino de un mismo sexo. Este planteamiento enriqueció el análisis de la obra en el contexto de la conferencia y de hecho pone en evidencia el carácter coercitivo y homofóbico de la revolución. Dicho lo anterior, sin embargo, y siguiendo la acción dramática detenidamente, la pesadilla recurrente de la pareja trasciende las limitaciones de la sexualidad, porque no se trata de un texto, en sí mismo sobre la identidad sexual, sino sobre el espanto que es la vida misma, la represión, la vigilancia y el miedo, y en particular la muerte, ese miedo último que nos acecha, el callejón sin salida en que todos nos encontramos, llamémonos Rin o Ran, Tota o Tabo, y con el cual todos podemos identificarnos, más allá de lo que tengamos entre las piernas.

Juegos y rejuegos

Cuando Beatriz Rizk nos comunicó su proyecto de rendirle un homenaje a Julio Matas, en el Miami Dade College, con los estudiantes de Prometeo llevando a escena lecturas dramáticas de piezas breves del dramaturgo cubano, nos pareció una idea estupenda, completando un cuadro de dramaturgos que compartirían con nosotros esta celebración (Acosta, Monge Rafuls, de Cárdenas) y que le darían a la misma una dimensión única. Rizk tuvo a su cargo la dirección de todas estas piezas, incluyendo Juego de damas (con Danly Arango, Cristina Ferrari y Hanna Ghelman), que es la más conocida de las tres, sobre la cual he comentado en otras ocasiones, y que viene a ser una tragedia paródica, donde se pone en evidencia es la habilidad única de Matas para burlarse de la condición humana. Todo funcionó sobre ruedas, y lo mismo podría decirse de El cambio, con Sarah Luz-Córdoba y Boris Alexis Roa, muy breve, que es un delicioso comentario sobre la naturaleza y el equívoco de las relaciones humanas. Pero quizás mi favorita sea Tonos, pieza donde parece que no está pasando nada, pero en la cual, en un lapso de apenas unos quince minutos, desfila, entre gestos, pausas y silencio, la vida y la muerte, en medio del vacío de la nada cotidiana. Luis Fuentes, Pablo Guillén, Luis Martínez, Rosa Méndez, Claudia Quesada y Lisset Riera lograron trasmitir con eficacia los tonos de este viaje fantasmagórico que es el crucero de nuestras vidas. La divulgación y reconocimiento de la dramaturgia de Matas, las dramatizaciones llevadas a efecto por un heterogéneo grupo de estudiantes procedentes de diferentes países latinoamericanos, sirvieron para enriquecer la propuesta interactiva entre la teoría y la práctica escénica.

Nocturno de cañas bravas

No podía faltar José Corrales en el contexto de la dramaturgia cubana del exilio por ser uno de nuestros mejores dramaturgos y uno de los menos afortunados, que apenas sube a escena, atrapado en las redes históricas de las dos orillas. Afortunadamente, sus piezas han sido publicadas en los Libretos de The Presbyter’s Peartree que aparecieron a fines de los noventa, lo que permite volver sobre ellas. Corrales es el dramaturgo de lo implícito más que de lo explícito, de lo íntimo más que de lo espectacular, de lo que no se dice más de lo que se dice, aunque no por ello se excluyen las segundas opciones. Pero es posible que por lo implícito, que es el subtexto, a muy pocos les interese llevarlo a escena. Su dramaturgia no es para engullirse como quien toma un purgante, como ocurre frecuentemente en muchos montajes que acaban dando la impresión de que lo que quieren todos (el director, los actores y el público) es salir del teatro lo antes posible.

En busca de una obra que permitiera una lectura dramatizada sin demasiadas complicaciones, mi decisión recayó en su Nocturno de cañas bravas, que me vi precisado a adaptar (paradójicamente) por razones de tiempo y para facilitar su lectura. En mi ayuda vino José Manuel Domínguez, que durante el Temfest del 2011 me había impresionado con un montaje limpio y directo de Ñaque o de piojos y actores de José Sanchis Sinisterra, honesto y sin artificios inútiles, y en cuyas manos dejé el “nocturno” de Corrales, con toda su teatralidad interna. La participación “en vivo” de Kurt Findeisen tocando la flauta japonesa (“shakuhachi”) (“la flauta sonaba como si hubiera estado allí desde siempre”, como me comenta Domínguez) matiza el subtexto y tiene su propia lectura. A mi modo de ver, lo que consiguió la dramatización de José Manuel Domínguez, fue un efecto de “música de cámara” que se inicia con un movimiento danzario de los actores cruzando el escenario; hasta llegar a la somnolencia del estado de duermevela de los personajes; la presencia casi intangible de la Pasante que deambula por el escenario con la textura de otra dimensión, que concluye con la gradual inmersión de Oberon en las aguas shakesperianas de Ofelia (que es el recitativo final al que se dirige la obra). Todo, mucho más complejo que lo que indican las apariencias, y que deja, inclusive sin contestar, la incógnita de la muerte de Oberón, para que la respondamos nosotros, en una pieza de auténtico final abierto.

La dramatización pierde algo en el escenario académico del Wesley Gallery, que diluye el efecto intangible de lo teatral, por muy contenida que sea la teatralidad de Nocturno de cañas bravas. José Antonio Salinas, Luis Naleiro y Carlos Ortiz supieron dar los contrastes caracterológicos de los tres personajes masculinos, el conflicto individual que los asedia, e Ivette Kelems supo dar los matices de la Pasante que nos ronda, mientras que la flauta (la idea es mía) agrega un subtexto que no estaba explícitamente en el original, pero que responde al enigmático espíritu que lo anima.

El pasatiempo nacional

En el seno de Akuara Teatro, una última lectura dramatizada tuvo lugar el domingo 15 de enero, con la cual se clausuraron las actividades teatrales de “Celebrando a Virgilio”. Desde hace mucho tiempo, he tenido específico interés en que se llevara a escena El pasatiempo nacional de Raúl de Cárdenas, y lo he planteado varias veces, por considerarlo un texto clave de este dramaturgo y del tratamiento del discurso gay. La correlación que establece de Cárdenas entre dicho discurso y el juego de pelota, cuya importancia como deporte nacional en Cuba ha sido siempre muy señalada, la condición eminentemente masculina de este deporte y la importancia que ha tenido también políticamente, siendo un medio utilizado por muchos peloteros para salir de Cuba, le da especial relieve a esta aproximación, porque, si de un lado la pelota ha sido parte de esa tramoya propagandística del “hombre nuevo”, también ha servido para las deserciones que han llevado a muchos peloteros cubanos a dar el salto a las grandes ligas del capitalismo. Los temas que se entrecruzan en la obra, van a ser utilizados por el dramaturgo para darle una vuelta total a todos ellos, convirtiendo el discurso de la masculinidad nacional, revolucionaria, en un discurso gay contrarrevolucionario donde todo hay que leerlo al revés. Nos remite, por otra parte, al discurso político directo del Raúl de Cárdenas de su primera obra, Los ánimos están cansados, anterior a La palangana, y a su necesidad imperiosa de comprometerse con todos aquello que le parece justo. Juan Roca asume la dirección del texto y lo proyecta de una forma directa y eficaz, todo bien dicho, aunque faltan insinuaciones y sutilezas que seguramente la presión de tiempo para el montaje no permitió un mayor desarrollo. Hay dos momentos excepcionalmente efectivos, aquel en que los dos jóvenes descubren la atracción sexual que sienten el uno por el otro, y el desenlace de la obra, con el asesinato del padre, que es sencillamente brutal, que salió muy bien, donde el que la hace la paga, llegándose a un crimen directo dentro del cual sobran las alegorías. Sobresale en el conjunto, la labor excepcional de Jorge Ovies, que no conforme con el trabajo realizado en Dos viejos pánicos, lleva a efecto un trabajo de actuación casi desconcertante, por lo convincente que resulta. Digo desconcertante, porque el padre es un canalla, un verdadero demonio capaz de cualquier cosa por la Revolución, un fanático total. Un fanático de tal naturaleza (como seguramente pensaban los nazis), que cree firmemente en la positividad de los crímenes que comete sin poner en tela de juicio la monstruosidad de sus actos. Pero, ¿acaso no es esta la convicción de los verdugos? ¿No es esto, precisamente lo que ha pasado entre los cubanos? La seguridad con la cual Ovies interpreta el personaje pone los pelos de punta.

Quede todo lo expuesto como una celebración virgiliana en la cual el teatro ha sido el protagonista.

Matías Montes Huidobro
Presidente, Instituto Cultural René Ariza

Fallece en New York La actriz cubana Graciela Mas.

2012-01-23T10:55:00.003-05:00

Foto: Pedro Monge Rafuls. En la foto, de 2009: Graciela, en el centro, con las actrices Teresa Yenque y Sarah Valle.

Nota de Iván Acosta

Ha fallecido en la Ciudad de Nueva York, la actriz cubana, Graciela Mas.

Desde sus inicios en esta ciudad con el Teatro de Las Américas de Nueva York, bajo la dirección del también recientemente desaparecido, Miguel Ponce. En 1969, Graciela Mas, trabajo en varias obras dirigidas por Ponce, junto a Orestes Matachena, Ruben Rabasa, Ileana Aste e Iván Acosta. Graciela era muy querida y admirada por todos sus compañeros de los distintos grupos de teatro latino en Nueva York.

El 23 de abril del 2011, Graciela asistió por última vez a la entrega de premios ACE, para recibir el Premio Extraordinario ACE 2011 por su trayectoria profesional.

Que en Paz Descanse, nuestra inolvidable y querida amiga y compañera, GRACIELA MAS.

Comienza el XI Festival del Monólogo.

2012-01-22T12:53:00.004-05:00

Comienza el XI Festival del Monólogo

Por Luis de la Paz .

Diario Las Américas  
Publicado el 01-21-2012

El mes de febrero marca el inicio del XI Festival Latinoamericano del Monólogo, con su lema “Teatro a una Voz”, que organiza Havanafama Teatro Estudio y que cada año ofrece espectáculos cada vez más sólidos, lo que le permite al público disfrutar de un programa de calidad. “El propósito del Festival es crear un espacio donde pueda darse el encuentro entre creadores a favor de un crecimiento de la escena”, expresa Juan Roca, director artístico y fundador de Havanafama y de su Festival del Monólogo.  

Cada año el evento nombra a una figura del ámbito artístico para que apadrine el festival. Esta XI edición del FLM tiene a la legendaria actriz y locutora Martha Casañas como su figura emblemática, la cual será homenajeada la noche de apertura, este 29 de enero en Teatro Abanico, sala donde según informa Roca, “también tendrá lugar la clausura”.  

El fuerte del Festival, los monólogos, se realizarán en la sede de Havanafama, en la 10 avenida y la Calle 8, en La Pequeña Habana, de jueves a domingo. “Este año el tiempo de Festival es más reducido. Es mejor menos espectáculos pero que tengan mayor calidad”, señala Roca, añadiendo que este año el programa será doble. “Los monólogos del jueves se repiten el sábado, y los del viernes el domingo, para facilitarle al público la asistencia”.  

La actriz Belkis Proenza, directora del Festival, expresa que “En época de Festival nuestra casa Havanafama, siempre se convierte en la casa de todos los que se nos acercan a compartir esta fiesta innombrable que es la fiesta del monólogo. Los actores son los protagonistas y entre todos participamos de un evento que lanza su mirada hacia el desarrollo de la escena. Creo que esta edición será una nueva estación para el crecimiento del Festival Latinoamericano del Monólogo Teatro a una voz, un proyecto que está en constante crecimiento y que apuesta por la calidad”.  

El concepto de la “casa de todos” es importante en este proyecto cultural, pues a la fiesta teatral acuden por igual actores de amplia trayectoria en los escenarios, como Luis Celeiro, Julie de Grandy y Daisy Fontao; y nuevos talentos que se presentan ante el público por primera vez, como José Gregorio Parra, Aylin Silva, María de los Dolores de Zarazaga, Suzette Silva y Barby Esquijarosa, alumnos del actor y director argentino Osvaldo Strongoli. Convergen sin distinción, sólo, y todos, por amor al teatro actores con una sólida carrera, como Belkis Proenza, Isaniel Rojas, Myriam Amanda, Vivian Morales, Christian Ocón, Paut William, Ernesto Jam y Orquídea Gil.

  Las primeras jornadas del festival, el jueves 2 de febrero (repitiéndose el sábado 4), tendrán a Isaniel Rojas interpretando Perdedor, de José Abreu Felippe, bajo la dirección de Juan Roca; a Carolina Larott con Daisy la de Gastby, texto de Larott junto a Ika Santamaría, quien también lo dirige; a Liliana Espeleta interpretando Solas, texto de Juan de Dios Peza, bajo la dirección de Christian Ocón; Diana López con el monólogo Contrato firmado, escritor y dirigido por ella misma y a Lisandra Sánchez con Me moriría si te vas, de Jean Cocteau y la dirección de Paut William.  

El viernes 3 y domingo 5, subirán a escena los monólogos El Bello indiferente de Jean Cocteau, interpretado por Myriam Amanda (y la participación de Freddy Acugna), dirigidos por Valentín Álvarez Campos; Nostradamus. El estado del tiempo, trabajo de Jorge Carrigan actuado por Alejandra Corujo y dirigido por Vivian Morales; Después de los 40, melodrama escrito, actuado y dirigido por el dominicano Junior A. Ventura y La leyenda del Horcón, texto de Juan Pablo López, interpretado por José Gregorio Parra y la dirección de Osvaldo Strongoli.  

Concluido el primer fin de semana del Festival, los días del 5 al 8, la profesora Adela Prado dictará un taller de maquillaje y caracterización. El pasado año Adela dictó clases de maquillaje que atrajeron a muchos interesados. En esta oportunidad, agrega al maquillaje, el difícil elemento de la caracterización de personajes históricos.  

El Festival del Monólogo ofrece en su conjunto una treintena de espectáculos, con actores originarios de Argentina, Colombia, Cuba, Costa Rica, Nicaragua, Perú, Puerto Rico, República Dominicana y Venezuela, todos residentes en Estados Unidos, marcando de alguna manera la unidad que la cultura y el idioma articulan en torno a los Latinoamericanos.  

Roca anticipa que: “Un momento significativo será sin lugar a dudas la presencia de espectáculos que han marcado pautas en la evolución de la compañía como muestrario de nuestra poética, obras como Puerto de coral o Madame Kirovska serán instantes de excepcional disfrute que tenemos preparados para nuestros espectadores”. Otra obra, pero en la Sala Avellaneda, que se repondrá especialmente para el evento es Gaviotas Habaneras, comedia de Yvonne López Arenal.  

Aunque el Festival es abierto, Belkis Proenza señala que para buscar una mayor calidad “las obras que se presentan han pasado por una selección”; añadiendo: “Tendremos la oportunidad de disfrutar de distintos géneros y maneras de hacer el teatro, pero todos avalados por una calidad que enriquece nuestro evento”.

  La semana del 9 al 12 de febrero tiene a Barby Esquijarosa con ¿Feminista yo?, dirigida por Osvaldo Strongoli; el unipersonal Antes de mí, el Sahara, de Héctor Quintero con la actuación de Luis Celeiro y la dirección de Valentín Álvarez Campos; María Josefa (madre de Bernarda), de Federico García Lorca, actuado y dirigido por Paut William; Trastienda, de Osvaldo Strongoli (también director), con María de los Dolores de Zarazaga; Motivadora, texto de Juan Bautista Pujol, quien lo dirige, interpretado por Vivian Morales y Malo, trabajo de Strongoli y la actuación de su alumna Aylin Silva.  

El extenso programa, que pude consultarse en la página http://havanafama.com y en la red social Facebook, tendrá en su segunda mitad textos de Luis de la Paz, Julie De Grandy (también actúa y dirige), Héctor Santiago, Miguel Moreno, Bruno Mateo, Cila González (también actúa) e Iván Camejo; actuaciones de Christian Ocón (también dirige), Suzette Silva, Orquídea Gil, Miriam Benard, Daysi Fontao, Jesika Markano, Iraida Vigo, Belkis Proenza y Ernesto Jam, y como directores a Miriam Lezcano, Osvaldo Strongoli, Tomás Doval, Juan Roca y Wilmer González. En conjunto, como bien expresa Belkis Proenza: “Un festival siempre renovado, lleno de momentos únicos que nos hagan seguir confiando en que es el teatro un sitio idóneo donde depositar el alma”. Para más información, llamar al (786) 319-1718.

Entrevista al escritor y profesor Matías Montes Huidobro, sobre el homenaje a Virgilio Piñera realizado en Miami

2012-01-22T12:45:00.003-05:00

Foto: Luis de la Paz. Matías Montes Huidobro.

Teatro, Centenario de Virgilio
Cubaencuentro.

Para abolir la marginación sufrida por Piñera en Cuba y fuera de Cuba

Entrevista al escritor y profesor Matías Montes Huidobro, sobre el homenaje a Virgilio Piñera realizado en Miami

Mercedes Eleine González, Miami | 20/01/2012

Un importante evento cultural organizado por el Instituto Cultural René Ariza, el patrocinio de la Universidad de Miami (Cuban Heritage Collection, Cuban Digital Theater Archives), y el copatrocinio de la Revista Caribe, (Marquette University y The University of North Florida), Project Zu, el Pro Teatro Cubano y el Centro Cultural Español de Cooperación Iberoamericana se desarrolló los días 12, 13, y 14 de enero de 2012 en el Wesley Center, College of Arts and Science, en el 1210 Stanford Drive de Miami en el cual se resaltó la obra del poeta, ensayista y dramaturgo cubano Virgilio Piñera. CUBAENCUENTRO conversa con el dramaturgo, narrador, poeta, ensayista y profesor cubano Matías Montes Huidobro, quien rindió merecido homenaje a ese otro grande de las letras y la cultura cubana.

Es un honor conversar con usted, Maestro Huidobro, máxime por el motivo que lo trae a colación. Como bien dijera el Apóstol José Martí que “honrar honra” usted se ha honrado honrando recientemente con un merecido homenaje en Miami a ese otro gran dramaturgo, poeta y narrador de las letras cubanas, Virgilio Piñera.

¿De qué forma se organizó y quiénes lo auspiciaron?

Matías Montes Huidobro (MMH): Se organizó como parte de las actividades de promoción teatral del Instituto Cultural René Ariza, con el patrocinio de el Cuban Heritage Collection y el Cuban Theater Digital Archives de The University of Miami, y el copatrocinio de la Revista Caribe (Marquette University y The University of North Florida), Proyect Zu, Pro Teatro Cubano y el Centro Cultural Español. Fueron coordinadores del mismo Yara González Montes, Lesbia Varona, Yvonne López Arenal, Mario García Joya, Lillian Manzor, Orlando Rossardi y yo. Aunque todos colaboraron en una medida o la otra, ciertamente el peso de la organización, contacto y planificación del evento recayó fundamentalmente sobre mi persona, como presidente del Instituto Cultural René Ariza.

¿Qué puede decirnos del evento en el cual numerosos participantes tuvieron un activo protagonismo como parte integral de la conferencia?

MMH: La conferencia tuvo los siguientes objetivos: Celebrar el centenario del nacimiento de Virgilo Piñera (cuya obra ha sido objeto de numerosas publicaciones e investigaciones mías por un espacio de más de cincuenta años) dentro del marco de la dramaturgia cubana que se ha desarrollado fuera de Cuba, de la que formo parte como dramaturgo y como crítico, y a la cual también le he dedicado gran parte de mis investigaciones, por ser Piñera la figura unificadora de la dramaturgia cubana que trasciende los límites de la insularidad y el exilio.

Esto explica que el dramaturgo invitado fuera José Triana, cuya importancia en la dramaturgia cubana ha quedado sólidamente establecida desde los años sesenta, en una panorámica de figuras representativas del teatro que se ha desarrollado fuera de Cuba, con figuras claves (Matas, de Cárdenas, Acosta, Monge Rafuls, Ernesto García, Dolores Prida, Marisel Mayor Marsán, Yvonne López Arenal, Julie de Grandy, Cristina Rebull, Nilo Cruz, Carigan) y otras que ya no están entre nosotros como Ariza, Ferreira, Manuel Martín, Corrales, Leopoldo Hernández, Fermín Bogres, Arenas y que dan una visión muy diversificada de este movimiento teatral.

¿Qué obras narrativas, poéticas o teatrales de Virgilio Piñera se contemplaron para estas exposiciones?

MMH: Aunque el énfasis del congreso fue la dramaturgia de Piñera, también fue objeto de múltiples interpretaciones generales o específicas (en particular Electra Garrigó,Una caja de zapatos vacía, Dos viejos pánicos, El trac, Ejercicio de estilo), la poesía (La isla en peso), la narrativa (La carne de René) y estudios comparativos.

A esto se unieron lecturas dramatizadas de Piñera, que representaron la práctica dentro de la teoría crítica, y lograr que se dramatizaran dos obras importantes del teatro cubano, Nocturno de cañas bravas de José Corrales (Pro Teatro Cubano), con la dirección de José Manuel Domínguez, y El pasatiempo nacional de Raúl de Cárdenas (Havanafama), esta última bajo la dirección de Juan Roca.

¿Podría resumir grosso modo el resultado de estos tres días de desarrollo del homenaje?

MMH: Más allá de cualquier falla, de la que me considero responsable, de la forma más objetiva posible, creo que el Congreso fue un éxito. Logré cubrir una perspectiva bastante amplia de la dramaturgia cubana que se ha escrito fuera de Cuba, a pesar de algunas lagunas, aunque personalmente me puse en contacto creo que con casi todos los dramaturgos con obra publicada fuera de Cuba, que fue un área en la que estuve particularmente interesado en cubrir, integrándolos internamente a la marginación sufrida por Piñera en Cuba y fuera de Cuba.
Por otra parte logré asimismo una perspectiva diversificada entre investigadores fuera del área de Miami, procedentes de diferentes universidades de Estados Unidos, de Francia y Costa Rica, con artistas y escritores de Miami, por medio de invitaciones individuales o una amplia divulgación del congreso a través de la Internet, abierta a polos opuestos de interpretación intelectual, sin restricciones de ningún tipo, incluyendo una gama generacional pocas veces conseguida en la cual participaron intelectuales de larga trayectoria con otros más jóvenes que compartieron su aprendizaje.

Esto en particular me da la más profunda satisfacción, que fue para mí un ejercicio de la democracia del intelecto, con un público receptivo a la propuesta.

¿Cuál es su perspectiva inmediata?

MMH: Publicar las memorias de Congreso. También, dedicarle algún tiempo a mi propia obra creadora y a la divulgación de mi penúltima novela, Un bronceado hawaiano, que acaba de salir bajo el sello de Aduana Vieja. La revisión de este manuscrito durante el período de organización de la conferencia sirvió para relajar la tensión que representó organizar el mismo.

Matías Montes Huidobro ( Sagua la Grande, Cuba, 1931). Realizó sus estudios de enseñanza secundaria en el Instituto Nro. 1 de La Habana, y un doctorado en Pedagogía en la Universidad de La Habana. En 1951 se dio a conocer como poeta con “La vaca de los ojos largos”, como narrador con su cuento “El hijo noveno” en la revista Bohemia; como ensayista, en las páginas de la revista Nueva Generación, uno de sus fundadores; y como dramaturgo, al recibir el Premio Prometeo por Sobre las mismas rocas, que se estrenó ese año. Entre 1959 y 1961 estrenó varias obras dramáticas: Los acosados, Gas en los poros, La botija, El tiro por la culata y Las vacas —esta última Premio José Antonio Ramos en 1961. Ejerció la crítica teatral en el periódico Revolución, donde publicó artículos en la página editorial. Colaboró en Lunes de Revolución y fue comentarista teatral de la emisora CMBF. Impartió clases en la Escuela de Periodismo hasta su salida de Cuba el 27 de noviembre de 1961. Entre 1962 y 1964 se estableció en Meadville, Pennsylvania, donde enseñó en las escuelas secundarias de la comunidad. Es autor además de libros de narrativa y ensayo. En 1964 pasó a la Universidad de Hawai, donde también ejerció su esposa hasta la fecha de jubilación de ambos en 1997 como Profesores Eméritos de dicha institución. Actualmente radica en Miami.

OLGA CONNOR: Concluye congreso de teatro en honor a Virgilio Piñera

2012-01-20T11:08:00.004-05:00

En la foto: Matías Montes Huidobro, Enrico Mario Santí, Fabio Murrieta, José Triana.

OLGA CONNOR: Concluye congreso de teatro en honor a Virgilio Piñera

Olga Connor
Especial/El Nuevo Herald

Concluyó el domingo en la Universidad de Miami el Congreso de Dramaturgia y Artes Escénicas Teoría y práctica del teatro cubano en el exilio: Celebrando a Virgilio. Dos fueron los impresionantes arquitectos de este congreso: Matías Montes Huidobro, presidente del Instituto Cultural René Ariza (ICRA), y su esposa, la profesora emérita Yara González Montes.

Lesbia Varona, bibliógrafa de la Colección de la Herencia Cubana (CHC), de la biblioteca Otto Richter de la Universidad de Miami, entidad patrocinadora del Congreso, fue la principal maestra de obras, o directora de la logística espacial, con el apoyo de Esperanza Bravo de Varona, directora de CHC. La profesora de UM Lillian Manzor, directora de Cuban Digital Theater Archives, contribuyó al éxito de la reunión intercontinental, que se llevó a cabo para celebrar en el 2012 el centenario del nacimiento del extraordinario dramaturgo cubano Virgilio Piñera.

Montes Huidobro recibió la ayuda de Emil Volek y Enrico Mario Santí para la apertura del Congreso, y de profesores e investigadores de todo Estados Unidos que acudieron a la convocatoria. Entre ellos: Jesús Barquet, Aida Beaupied, Armando Chávez Rivera, Olympia González, Kirsten Nigro; y de Miami: Beatriz Rizk que también organizó una sesión de teatro en honor a Julio Matas en Prometeo, Luis González Cruz, Uva de Aragón y José Prats Sariols.

ARTISTAS Y DRAMATURGOS

No sólo fueron los académicos los contribuyentes al éxito, sino también los autores, directores, actores y empresas teatrales. Algunos, de lugares lejanos, otros desde el ambiente local, como Yvonne López Arenal y Mario García Joya en el teatro Akuara, con Miriam Lezcano de directora, Yoshvani Medina, de ArtSpoken, y de Havanafama, Juan Roca. Además, el grupo Pro Teatro Cubano y la fotógrafa Asela Torres que documentó el Congreso.

Entre los famosos dramaturgos se encontraban Iván Acosta, de Nueva York; Raúl de Cárdenas, de Los Angeles; Julio Matas, de Miami Beach; Pedro Monge Rafuls, de Nueva York, y José Triana, de París. Entre los directores de teatro que expusieron sus recuerdos y experiencias: Alberto Sarraín y Teresa María Rojas, que fue honrada como actriz. Hablaron escritores de Miami vinculados con la dramaturgia –una larga lista– y representaron decenas de actores.

INAUGURACIÓN EN DIA DE SOL

El jueves por la mañana, con el sol esplendoroso de un fresco amanecer de Miami, se abrió el Congreso con Matías Montes Huidobro al frente explicando los objetivos de la cita y Esperanza Bravo de Varona y Lillian Manzor, describiendo el trabajo de la Colección de la Herencia Cubana y la recolección digital de teatro cubano. Finalmente, el erudito Emil Volek dio la conferencia maestra sobre José Antonio Ramos (1885-1946), iniciador del teatro cubano en las décadas de 1930 y 1940, autor de Tembladera y En las manos de Dios, entre otras obras. Su ponencia fue sobre La recurva, que trata del período posterior a la dictadura de Gerardo Machado con discusiones sobre “la revolución” y el tema de “acabar con los burgueses”, ya vigente en los 30.

Volek dijo que “ La recurva rebasa el nivel del realismo ‘criollista’ y se convierte en una parábola profética, en una alegoría ‘negra’, de múltiples niveles: la de una familia destrozada internamente, expuesta a la merced del ‘viento huracanado’ y de las circunstancias históricas”.

Volek interpretó que esta obra se inspiró en las circunstancias del país, con su corta historia independiente, y las de un mundo en un período histórico preciso, cuando las “violentas utopías” de distintos colores, comunismo, fascismo, nazismo, estaban forjándose. Fue también presagio de la Cuba del futuro, “donde este país desembocará en el papel protagónico imitado por toda América Latina de la segunda mitad del siglo XX”, lo que fue una especie de “recurva” de ciclón de la historia que barre con todo.

INVITADO ESPECIAL: JOSÉ TRIANA

La invitación a José Triana, autor de la emblemática obra del teatro cubano La noche de los asesinos, dio lugar a que se leyera el “monólogo” de “Lalo”, personaje de esa obra, por el actor dramático Orlando Varona, quien lo representó como víctima de las relaciones autoritarias dentro de Cuba.

Le siguió la presentación de Teatro completo (Aduana Vieja), de Triana, por Fabio Murrieta, su editor. Le hizo los honores el reconocido crítico Enrico Mario Santí, quien aludió a este fragmento de una escena de La noche de los asesinos, en la que se discute el valor de la justicia: “Pero nuestra ciudad se levanta, una ciudad de hombres silenciosos y arrogantes avanza decidida a reclamar a la justicia el cuerpo de este ser monstruoso… Y será expuesto a la furia de hombres verdaderos que quieren la paz y el sosiego”.

Santí lo analizó, invocando, como Volek antes con La recurva, el sentido de premonición en esta obra: “Como sabemos, Triana escribe esta escena en 1965, tal vez años antes, y la obra se representa en La Habana de 1966. Hoy, después de medio siglo de la llamada Revolución, de la humillación pública del poeta Heberto Padilla en 1970 –a sólo cuatro años del estreno–, o del circo romano del llamado Caso Ochoa –en 1989, tras otro cuarto de siglo– (y me limito a dos episodios), años en los que hemos comprobado el recurrente uso perverso de la teatralidad por parte del régimen, no podemos sino releer estas escenas como una atroz profecía de lo que se
avecinaba”. •

Presentación de la novela Muñequita linda, de Jorge Carrigan.

2012-01-19T11:40:00.003-05:00

Presentación de la novela Muñequita linda, de Jorge Carrigan

Elvira de las Casas.

Debería bastar con decirles que devoré esta novela en menos de un día, sin que mi interés por la trama decayera por un instante, para hacerles entender que estamos ante una obra de originalidad inusitada que vale la pena leer. Pero me han invitado a presentar este libro para que hable de él y de su autor, y sería una tontería pedirles que lo lean solamente porque a mí me gustó, así es que procuraré extenderme acerca de las razones que me mantuvieron pegada a las páginas de esta novela de principio a fin.

El logro más importante de Jorge Carrigan en esta novela es, en mi modesta opinión, que la ha narrado desde el punto de vista de una mujer: el de Laura, la protagonista, y esta voz femenina resulta perfectamente coherente y creíble, como si el autor no fuera el hombre grande y barbudo que es sino una legítima fémina de seductora belleza.

Este punto de vista femenino contrasta con la perspectiva masculina del marido, Juan Daniel, durante toda la historia, que se desarrolla durante un juicio en el que Laura pide la “disolución inmediata” de todo vínculo con él.

El pensamiento intuitivo de la protagonista se pone de relieve en frases como ésta: “Soy capaz, no solo de sentir, sino también de presentir”, o cuando se refiere a un hombre diciendo que “tiene una muy marcada falta de amor en los ojos”. Nótese que habla de “falta de amor”, no “falta de sexo”, como habría dicho si fuera un personaje masculino.

Su intuición femenina se enfrenta al pensamiento racional del marido, cuyo principal interés es la parte económica que está en juego con la disolución del vínculo marital, tal como lo establece Juan Daniel al decir: “Pido que el evento que nos ocupa hoy no ponga en peligro el sagrado derecho a la propiedad privada”.

Poco a poco, a medida que transcurre la novela, su autor nos va dando pistas que nos conducen a reconocer la identidad de la protagonista.

“¿Alguien, que no sea un lunático obsesionado por la tecnología o por el sexo, estaría interesado en ser mi amigo?”, se pregunta Laura en una de las primeras páginas del libro. Más adelante afirma: “Si para ustedes existe Dios, para mí existe el señor Kinosuke Matsuda”, o sea, el diseñador de juguetes sexuales del que asegura a continuación: “Él es lo que yo podría considerar mi Dios y estoy segura de que lo conozco mucho mejor de lo que los humanos conocen al suyo”, frase ésta que pone al descubierto lo que un lector sagaz ya ha adivinado a esas alturas: que Laura no es humana.

Efectivamente, Laura es una muñeca, un sofisticado producto de la tecnología diseñado para satisfacer los deseos sexuales del hombre que se decidiera a comprarla, pero al contar no solo con una apariencia humana sino también con sentimientos e inteligencia propias de una mujer, reacciona como tal. Al igual que Rachel, la replicante de Blade Runner, ese clásico del cine que dirigió Ridley Scott, Laura se cree una mujer real, pero a diferencia de Rachel, cuyas memorias le han sido implantadas para proveerla de una historia de vida, Laura cuenta con sus propias memorias y tiene ambiciones personales.

Después de esperar por largo tiempo, en la vitrina de la tienda donde la exhiben, que un comprador la escoja para ser su compañía, Laura se alegra de ser comprada por Juan Daniel, un hombre de apariencia para nada atractiva. La muñeca reacciona como mismo lo hacen muchas mujeres deseosas de encontrar al príncipe azul, que después de esperarlo en vano, deciden aceptar al primero que les propone matrimonio, y así se marcha con Juan Daniel, razonando que “valía la pena irse, aunque el marido no fuera perfecto”.

Pero Laura termina convirtiéndose en una víctima de violencia doméstica, a manos de un marido que la encierra en un closet después de usarla, hasta que vuelve a necesitarla.

Si tan solo este hombre hubiera leído las instrucciones del fabricante, tal vez la historia habría sido diferente. De esa manera se habría enterado de que esta muñeca, de extraordinaria belleza, solo era capaz de funcionar plenamente si era arrullada por palabras de amor y atendida con extrema dulzura y delicadeza. Cuántos matrimonios de la vida real se salvarían si las esposas fuesen tratadas de la misma manera, lástima que, cuando firman el acta matrimonial, los esposos no reciban las debidas instrucciones por escrito.

Pero no crean que la historia de Laura es tan sencilla como pudiera parecer a simple vista. Al lector debería entregársele también un manual de instrucciones antes de comenzar a leer Muñequita linda, o al menos debería ser advertido: esta novela no es apta para personas excesivamente pudorosas o proclives a escandalizarse con los temas sexuales. Paralelamente al desarrollo del juicio, Carrigan nos hace testigos, con un voyeurismo absolutamente descarado, de la vida sexual de todos los que están en la sala, desde la primera experiencia erótica del juez Donato Pérez Rielo, cuando tenía seis años, pasando por la frustración del ingeniero Matsuda, atrapado en un matrimonio asexuado con una mujer que no ama, hasta llegar a la doble vida de Freddy, el dueño de la tienda El Monte de Venus, que usa dos personalidades ficticias para sostener conversaciones eróticas por Internet.

Sin embargo, estas descripciones son tan hiperbólicas que rayan con el absurdo, lo que provoca en el lector, no una excitación erótica sino más de una carcajada, aún en medio de situaciones tan atrevidas como el encuentro del presentador de televisión Malcom Gray y la rolliza Lisa María, profusamente descrito hasta que las páginas del libro parecen estar a punto de chorrear semen y fuídos vaginales. Porque en esta novela abunda la fantasía, pero sobre todo, el sentido del humor.

Por supuesto que no voy a contarles el desenlace de la novela, aunque reconozco que me siento tentada a hacerlo. Mejor los invito a disfrutar de esta original y fascinante historia que tal vez decepcione a aquellos que quisieran encontrar jineteras y dificultades del período especial en cada obra de un escritor cubano de esta época. Aquí no hay ninguno de esos temas, pero sobra imaginación, sin la cual podría decirse que no existiría la literatura de ficción. Bienvenidos al mundo literario de Jorge Carrigan.

Elvira de las Casas

Miami, enero de 2012

MUÑEQUITA LINDA

2012-01-16T12:29:00.002-05:00

Muñequita Linda

Jorge Carrigan

Ni pervertidos ni mojigatos,

sino todo lo contrario.

Presentación del libro por la periodista Elvira de las Casas.

Akuara Teatro Sala Avellaneda

Miércoles 18 de Enero a las 8:00 pm.

Se ha producido el más grande acontecimiento tecnológico de la historia. La industria de los juguetes sexuales produce el mayor salto al futuro que jamás hubiéramos imaginado. En este contexto se inicia un proceso judicial sin precedentes. La intriga de esta novela gira en torno a la fabricación, venta, utilización y degradación de una muñeca sexual. A un ingeniero japonés, diseñador de juguetes eróticos, le piden que fabrique una muñeca tan perfecta que se asemeje lo más posible a una mujer real; pero el ingeniero lo hace tan bien que crea una MUJER, o sea, que fabrica una muñeca tan, pero tan perfecta que ésta termina acusando a su marido ante la corte por maltrato doméstico. El proceso judicial en el que Laura, la muñeca, pide la disolución del vínculo con su marido es la columna vertebral; pero la carne de esta novela es el relato paralelo de las historias sexuales de los que participan en el juicio; rubro en el que todos los encartados tienen historias desastrosas. De modo que el lector va marchando hacia la conclusión de que quien no tiene una experiencia de vida bien estructurada, no tiene autoridad para juzgar la moral y la ética de sus semejantes. Pero, además, el autor coloca a los lectores al borde de una trampa. Los pasajes que reproducen relaciones sexuales están narrados con todo detalle, de manera que una lectura superficial puede dar la apariencia de que es una novela altamente carnal; sin embargo, el 80% de las narraciones de actos sexuales son actos fallidos, así, al que le guste mucho será un pervertido y al que no le guste será un mojigato. En fin que, esta, que pudo ser una obra erótica o de especulación científica, se convierte en una novela satírica que pone en tela de juicio, literalmente, la facultad de juzgar a los demás partiendo de las experiencias propias.

Jorge Carrigan, nació en La Habana, en 1953. Estudió dramaturgia y dirección teatral en la Escuela Nacional de Arte en Cuba en la ya lejana década del 70, pero siempre sus inquietudes literarias lo inclinaron a intentar el oficio de escritor, de manera que en los 80 participó en una decena de Talleres Literarios y de Dramaturgia, entre los que se destacan el Taller “Eduardo Facciolo Alba”, el Taller de Dramaturgia “Rolando Ferrer”, conducido por Gerardo Fulleda, el Taller Bertolt Brecht, bajo la dirección de Fredy Artiles así como el Taller de Creación Escénica, un espacio de aprendizaje y creación que agrupó a una docena de jóvenes creadores durante un año de una experiencia artística única. En esa fructífera década del 80 recibió algunas menciones y reconocimientos en los eventos nacionales de Talleres Literarios en Cuba. En 1984 recibió el Primer Premio en el Concurso para Obras de Teatro Musical “Carlos Pous”, auspiciado por el Teatro Musical de la Habana con su obra musical Comedia de la Comedia. Desde esos años ha mantenido una labor continua como escritor. En 1991 obtuvo un premio en el Concurso Internacional de Obras de Teatro para Radio, que auspiciara la filial del Instituto Goethe en San José, Costa Rica, por su drama radiofónico El Show de Marc Human. Desde 1994 reside en Canadá donde fundó la compañía de teatro Theatrois, con la cual trabajó durante dos años y presentó la obra Triversión y el espectáculo Iconos, compuesto por los monólogos Mary y El Prócer, en salas de Montreal, Canadá y en varios Festivales entre los que destacan el Montreal Fringe Festival y el Festival de Theatre Carrefour de Saint-Lambert. Es autor de más de una docena de piezas de teatro, trabajo al que ha dedicado la mayor parte de su tiempo, además de escribir poesía y narrativa. Entre sus demás obras de teatro destacan, por haber tenido puestas en escena exitosas en varios países, Apuntes para el fin, Naufragios y El Hueco en la Pared. Ha continuado su faena literaria, con énfasis particular en la narrativa y la poesía y en 1999 apareció su libro de narraciones y poemas Cascabeles en la Punta. En 2002 apareció la antología Teatro de Segunda Mano, en la cual se recogen un grupo de piezas teatrales escritas en colaboración con otros escritores. En 2003 impartió por primera vez desde Canadá un taller de escritura dramática a través de Internet en el que participaron estudiantes de España y Canadá. En 2009 publicó algunas de sus piezas de teatro más recientes y dos obras de Teatro para Niños en una Colección Mínima de Ediciones Versio. Su novela Bailar con la más Fea salió a la luz en junio de 2010 bajo el sello editorial Atompress. En julio de ese mismo año la Editorial Sociedarte, de Santiago de los Caballeros, República Dominicana publicó Teatro Desnudo, una recopilación de tres de sus piezas de teatro más recientes. En ese mismo año se produjo el estreno mundial de su obra Corrientes en Madrid. En la actualidad conduce un taller de teatro con actores no profesionales de todas las edades en Ottawa, Canada. Una de sus líneas de trabajo es la docencia y ha dictado varios cursos de dramaturgia y escritura teatral y de narrativa impartiendo un método técnico-estético creado por él como resultado de su experiencia en el trabajo y el aprendizaje de diferentes métodos conocidos en muchos años de estudios. En marzo de 2011 se presentaron dos monólogos suyos en el X Festival latinoamericano del monólogo en Miami y en noviembre de este mismo año apareció su novela Muñequita Linda con el sello Plaza Editores. En proceso de edición se encuentran sus libros de poesía Tangible indemnidad y Mientras de noche vuelan otros pájaros. Trabajos poéticos y narrativos suyos, así como algo de su teatro, han aparecido en numerosas antologías y revistas. Trabaja, además, como traductor literario y técnico.

Presentación del libro miércoles 18 de Enero a las 8:00 pm.

AKUARA TEATRO SALA AVELLANEDA

4599 SW 75 AVE MIAMI

786 853 1283

Akuarateatro1@gmail.com